 |
|
www.juezyverdugo.es
--- contacto@juezyverdugo.es
|
|
|
>>>>
Juez y verdugo > Fotografía
> Autores
|
|
|
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Robert Frank falleció en 2019. Pásate por Destacado >> Septiembre 2019.
“Ejercimos una mano dura en América Latina, pero sin querer entender a la gente a la que estamos impactando”, dijo Scott Wallace sobre los estadounidenses. El fotógrafo, que vivió en El Salvador, Nicaragua y Guatemala, agregó: “Hay cierta arrogancia cultural que debía atenderse”. Pásate por JyV >> Guerra Civil >> Centroamérica. --------------------------------------------------------------------------------------------------------------
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
"Cuando la oficina de Magnum London me pidió que fuera a Miami a fotografiar a Muhammad Ali, respondí que no me interesaban los deportes. Stephanie dijo: '¿Qué? ¿Te has vuelto loco?'. A día de hoy, ésta es probablemente mi foto favorita de mi juventud. Tuve la oportunidad de pasar cuatro días con uno de los estadounidenses más inspiradores del siglo XX", recuerda Lyon en sus memorias 'This Is My Life I'm Talking About', Damiani Books, 2024. Todas las publicaciones se inspiran en el estilo del Nuevo Periodismo fotográfico, lo que significa que el fotógrafo se ha sumergido en el tema documentado y es partícipe de él. Es miembro fundador del grupo editorial Bleak Beauty. Después de ser aceptado como fotógrafo del Comité Coordinador Estudiantil No Violento (SNCC), Lyon estuvo presente en casi todos los eventos históricos más importantes durante el Movimiento por los Derechos Civiles . A Danny Lyon (Nueva York, 1942) siempre se le ha etiquetado como un rebelde por buscar respuestas en los márgenes de la sociedad, no como un simple observador, sino como un participante. Lo cierto es que, de ascendencia judía, creció oyendo las historias de su tío Abram, quien tras participar de forma activa en la Revolución rusa de 1905, huyó a Estados Unidos; también las de su abuelo, a punto de ser ejecutado por los bolcheviques por vender sus propios libros de forma secreta; y las de su madre, quien ya exiliada en Nueva York, fue despedida de su trabajo de costurera por comunista, sin serlo.
Danny Lyon publica su autobiografía, el elocuente testimonio de un fotógrafo que redefinió la fotografía documental involucrándose intensamente en la vida de sus sujetos.
En 2015 se publicó un libro que relata los dos años que trabajó tomando imágenes de los muertos en las cárceles de Bashar al Assad. «Soy César. Solía trabajar para el régimen sirio, era fotógrafo para la policía militar en Damasco. Voy a contarles cómo era mi trabajo antes de la sublevación y durante los dos primeros años, pero no puedo revelarlo todo porque tengo miedo que el régimen pueda reconocerme a través de los detalles. Soy un refugiado en Europa. Temo que me encuentren y me eliminen, o que se venguen en mi familia». Estas escalofriantes palabras pertenecían a uno de los hombres más buscados entonces por los medios de comunicación e, imaginamos, que por el régimen de Bashar al Assad (actualmente vive en Francia bajo protección). Su delito ha sido el de haber recopilado y sacado de Siria alrededor de 55.000 documentos gráficos que reflejan las torturas a las que han sido sometidos durante los últimos años aquellos que se han opuesto al régimen de Al Assad. Unas imágenes que son difíciles de mirar por su crueldad. Son miles de cadáveres, con señales de tortura, que durante dos años fotografió.
Su historia ha sido contada por la periodista francesa Garance Le Caisne , en el libro «Operación César, en el corazón de la máquina de la muerte siria». Si bien ya se habló en 2014 del Informe César (fue presentado al Consejo de Seguridad de la ONU en abril de 2014), donde se recopilaba toda esa información, no fue hasta pasado ese tiempo que adquirió más notoriedad, tras la decisión de Francia de hacer uso de este material -una vez verificado- para llevar a Al Assad ante la Corte Penal Internacional por crimenes contra la humanidad. Algo que coincidió con el nuevo giro bélico en Siria (donde Rusia, pilar de Al Assad, comenzó a bombardear supuestamente a los yihadistas).
Con palabras pausadas, que llegan directamente al corazón, y con gran humildad, “César de Siria” reveló su identidad recientemente y mostró su rostro por primera vez. Narró algunos detalles sobre cómo logró sacar a escondidas 50.000 fotos de cadáveres mutilados por la tortura en los centros de detención del régimen sirio. Las imágenes llegaron al Congreso de Estados Unidos y expusieron al régimen de Assad ante el mundo en el año 2019. Las aterradoras escenas descritas por César no solo las presenció, sino que también las capturó con su cámara durante casi tres años. Cuerpos desgarrados por la tortura y el hambre, hasta el punto de perder muchos de sus rasgos.
En su primera entrevista con el canal Al Jazeera de Qatar, mientras la cámara se eleva para que los sirios vean por primera vez a esta figura considerada un héroe para ellos, declara: “Soy el suboficial Farid Al-Madhhan, jefe de la sección de pruebas forenses de la policía militar en Damasco, conocido como César, hijo de la Siria libre. Soy de la ciudad de Daraa, cuna de la revolución siria”.
Una de las imágenes más icónicas de Louis Stettner es la de "Brooklyn Promenade" (Paseo de Brooklyn), del año 1954, en la que aparece un hombre sentado en un banco, de espaldas, con los rascacielos de Nueva York. Una instantánea que, como muchas otras de sus siete décadas de trayectoria, son muy reconocidas, pero distan de asociarse con el fotógrafo americano. "Es un fotógrafo que tiene que dar de sí todavía, puede haber nuevas revisiones de su obra", explicó Carlos Gollonet, comisario de la exposición "Louis Stettner. Colecciones Fundación MAPFRE", inaugurada en la sala 2 del Antiguo Instituto de Gijón, y que supone la mayor retrospectiva de este fotógrafo, con un recorrido para el público a su obra a través de cerca de 200 imágenes. "Era muy ambicioso, lo fotografiaba todo", cuenta Gollonet. "No se adapta al canon de la fotografía ni se encasilla, se adapta a cada momento", prosigue el comisario de la muestra sobre el retratista estadounidense, nacido en 1922 y fallecido en 2016. "Entendía la pintura, su otra pasión, y la fotografía como poemas. Aparece ese sustrato poético en todas sus obras", indica.
Brooklyn Promenade, 1954. El recorrido cronológico a su obra parte de sus primeras instantáneas en Nueva York, a su etapa posterior en París, o sus años como fotógrafo de combate entre 1943 y 1949. "Entendió la guerra como una lucha inevitable contra el fascismo. Ese papel le dejó como herencia una fe en el ser humano que nunca abandonó", refleja Gollonet, que enfatiza también en el hecho de que su obra "deshacía cualquier categorización, por eso también hizo más difícil comprenderla". Louis Stettner nació en Brooklyn, Nueva York , donde fue uno de cuatro hijos. Su padre era ebanista, y Louis aprendió el oficio de joven, utilizando el dinero que ganaba para sustentar su creciente pasión por la fotografía. De niño, le regalaron una cámara de cajón, y así comenzó su pasión por la fotografía. Su familia viajaba a Manhattan y visitaba museos, incluido el Museo Metropolitano de Arte , donde nació su amor por el arte. En 1940, a los 18 años, Stettner se alistó en el ejército estadounidense y se convirtió en fotógrafo de combate en Europa para el Cuerpo de Señales. Tras una breve estancia en Europa, fue enviado a Nueva Guinea, Filipinas y Japón. "A los 18 años, me convertí en un artista-soldado, rodeado de millones de otros estadounidenses que como yo tuvieron que aprender otro oficio, el de matar y evitar que te mataran", diría Louis Stettner (Nueva York, 1922-París, 2016) tras servir durante la Segunda Guerra Mundial, desde 1944, como fotógrafo de combate en el frente del Pacífico y llegar a Hiroshima tres semanas después de la detonación de la bomba atómica. "Allí vio cosas terribles e hizo fotos muy duras, de gente en los hospitales, niños corriendo... Pero de sus fotos de guerra solo he podido identificar seis que llevan su nombre detrás, en las que se ven soldados japoneses y tanques, entre las miles y miles y miles de imágenes que guardan los archivos del Ejército", contaba su esposa, Janet Stettner. Ella trabaja para recuperar y visibilizar ese legado inédito de una figura "importantísima en la historia de la fotografía e incomprensiblemente poco reconocida, quizá por no estar adscrita a un estilo determinado".
Boulevard de Clichy, París, 1951. De regreso de la guerra, Stettner se unió a la Photo League de Nueva York. Visitó París en 1946 y se mudó allí en 1947. De 1947 a 1949, estudió en el Institut des hautes études cinématographiques (IDHEC) de París y se licenció en Fotografía y Cine. Viajó entre Nueva York y París durante casi dos décadas y finalmente se estableció definitivamente en Saint-Ouen, cerca de París, en 1990. Stettner continuó regresando frecuentemente a Nueva York. El trabajo profesional de Stettner en París comenzó capturando la vida en la recuperación de la posguerra. Capturó la vida cotidiana de sus sujetos. Siguiendo la tradición de la Photo League, quería investigar los vínculos que conectan a las personas. En 1947, la misma Photo League le encargó organizar una exposición de fotógrafos franceses en Nueva York. Reunió las obras de algunos de los fotógrafos más destacados de la época, como Doisneau, Brassaï, Boubat, Izis y Ronis. La muestra fue un gran éxito y fue ampliamente reseñada en el número anual de US Camera. Stettner había iniciado una serie de reuniones regulares con Brassaï, quien fue un gran mentor y ejerció una influencia significativa en su obra. En 1949, Stettner presentó su primera exposición en el "Salón de los Independientes" de la Biblioteca Nacional de París. En 1951, su obra se incluyó en la famosa exposición Subjektive Fotografie en Alemania. Durante la década de 1950, colaboró como freelance para Time, Life, Fortune y Du (Alemania). Durante su estancia en París, se reencontró con Paul Strand, quien también había abandonado Nueva York debido a la intolerancia política de la era McCarthy. Strand había sido uno de los fundadores de la Photo League, que sería incluida en la lista negra y posteriormente prohibida durante esos años. En la década de 1970, Stettner pasó más tiempo en la ciudad de Nueva York, donde enseñó en Brooklyn College, Queens College y Cooper Union.
Mantuvo toda su vida una orientación política de izquierdas, inspirada en Karl Marx, y su compromiso social. Apoyó a los Panteras Negras, se manifestó contra la guerra de Vietnam y defendió a los trabajadores: «En medio del ruido, la suciedad, los humos y el riesgo de accidentes, me parecían personas muy sensibles, de una humanidad innata y con una maravillosa capacidad de organización y de percepción de la realidad inmediata", diría. Les fotografió en toda su dignidad, también en sus viajes por Reino Unido, la URSS o España. Aquí tomó fotos en Málaga, Torremolinos o Eivissa, donde pasó dos días enteros en 1956 con dos pescadores, Pepe y Tony, mientras faneaban en el mar. Esa serie refleja su cercanía a ellos y la fuerza, vigor y vitalidad durante su trabajo. Hacia el final de su vida, desde 2013 y hasta su muerte en 2016, concentró su objetivo en la magia de la naturaleza, especialmente en los Alpilles, en la Provenza francesa, con visión artística y jugando con luces y sombras, humanizando el paisaje y mostrando la belleza y paz de su propio estado mental.
Encontró en Asturias su refugio vital y confesaba que se sentía incapaz de captar toda la belleza del paisaje asturiano. Fue uno de los grandes fotógrafos del siglo XX y ahora vive una segunda vida: está adquiriendo el justo merecimiento público que su obra merece. Nicolás Muller, el fotógrafo que nació en Hungría en 1913, nacionalizado español y fallecido en 2000 en su casa en Andrín (Llanes), protagoniza en estos momentos nada menos que 4 exposiciones diferentes de su obra en Vigo, Cádiz, Córdoba y Madrid. Las tres primeras están comisariadas por el fotógrafo avilesino José Ferrero, que junto a la hija de Muller, Ana, también fotógrafa, se han convertido los grandes valedores de una mirada cargada de humanidad y compromiso. "Cada uno ve una costa diferente en la obra de Muller”, apunta Ferrero. “A mucha gente le engancha el valor documental que tiene: son fotografías de lugares que ahora están muy cambiados. A mí, aparte de eso, me interesa sobre todo técnicamente. Muller decía que ser fotógrafo era una gran responsabilidad porque la cámara era una herramienta muy importante para contar cosas. Así lo entendió él y así siempre lo hizo: su fotografía es bastante imparcial ante lo que sucede. No abusa ni del dramatismo ni hace postalitas, por así decir. Y compone maravillosamente; técnicamente es magnífico”, añade el comisario de tres de las cuatro exposiciones dedicadas a Muller. Las cuatro nuevas vidas de Nicolás Muller: el resurgir del gran fotógrafo del siglo XX. Deslumbrado por la belleza de Asturias Córdoba, Cádiz, Vigo y Madrid dedican al mismo tiempo una exposición con la obra de un artista nacido en Hungría que retrató la España de los años 60 con una perfección compositiva absoluta y una honda empatía por los laboriosos protagonistas de sus fotografías.
Considerado como uno de los grandes fotógrafos humanistas, forma parte de esa excepcional nómina de fotógrafos húngaros sobradamente conocidos, como André Kertész, László Moholy Nagy, Martin Munkácsi, Brassaï, Lucien Hervé, Kati Horna o Robert Capa. Fue testigo privilegiado de una de las épocas más convulsas de la historia reciente europea. Ferrero, puestos a elegir, no es capaz quedarse con una serie o imagen concreta de una obra inmensa. La serie de imágenes tomadas en su Hungría natal reflejan, según Ferrero un dominio extraordinario de la composición. "Es magnífica. Ahí se nota mucho de la influencia que puede tener de la Bauhaus. Tiene unas composiciones que parece posible hacerlas sobre la marcha, como las hacía él. Parece que están hechas a escuadra de cartabón". No obstante, Ferrero admite que cada nueva imagen que ve de Muller, le interesa. “El Fondo Nicolás Muller de la Comunidad de Madrid tienen unos 70.000 negativos y, en total, unos 80.000 documentos. Más luego, Ana Muller tiene unos tres mil negativos. Cuando cerró el estudio apareció una cajita con esos tres mil negativos, que son los que dieron pie a la primera exposición que hicimos con el Instituto Cervantes (“La mirada comprometida”, 2021) y que el punto de inicio de toda esta recuperación de su obra”. La bienal de fotografía de Córdoba incluye dentro de su sección oficial, desde este sábado al 25 de mayo, la exposición “Viento Norte”, que ya se mostró en el Museo de Bellas Artes de Asturias en 2021. En aquella ocasión se colgaron 132 imágenes que Muller tomó en su recorrido por el norte de España, con especial atención a las que hizo en la Asturias de la década de los 60. En la versión cordobesa, el viento del norte incorpora unos aires cordobeses con una decena de imágenes que Muller hizo en esta zona de Andalucía.
Pescadores en Lastres, fotografía de Muller expuesta en el Museo de Bellas Artes en la exposición "Viento norte". En Cádiz, el salón Entrepatios de la Diputación Provincial acoge “La mirada de Muller sobre Vejer”, una exposición que estará abierta hasta el próximo 25 de abril. Se inauguró el pasado día 19 de marzo. Se muestran 24 fotografías que el artista tomó en una corta escancia en Vejer. En estos momentos, en 1961, este fotógrafo nacido en Hungría y que había pasado por Francia, Portugal y Marruecos huyendo a la II Guerra Mundial, ya estaba instalado y nacionalizado español. Entonces alterna su trabajo de estudio con numerosos encargos, como el que le hizo la editorial “Clave”: una serie de doce libros para dar una visión avanzada de la sociedad española y hacerla atractiva al turismo. Recorre Muller toda España fotografiando los paisajes, los monumentos y a sus gentes. Entre los pueblos de Cádiz que visitará está el característico enclave blanco de Vejer de la Frontera.
Campesino de la Alta Saboya. 1938, Francia. En Vigo, la exposición “Nicolás Muller en Galicia” “revisa y recupera” el trabajo realizado durante sus viajes por Galicia. Son fotografías con una mirada “profundamente humanista que pone el foco sobre las gentes trabajadoras y la belleza de los paisajes gallegos”. Hasta el 18 de mayo, el Museo do Mar de Galicia, en Vigo, muestra esta selección de 50 fotografias de las más de 700 que Muller tomó en sus viajes por Galicia. De ese medio centenar de imágenes, 34 de ellas nunca habían sido ni expuestas ni publicadas. Como en el caso de la muestra de Cádiz, Muller estuvo en Galicia por encargo de la editorial “Clave”. De aquellos 12 libros proyectados para vender un país moderno, atractivo a turistas e inversiores, solo se llegaron a hacer la mitad. Finalmente “Nicolás Muller: belleza y compromiso”, es el título de la exposición que le dedica la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid hasta el próximo 27 de abril, una muestra comisariada por Publio López Mondéjar y que ofrece una pequeña muestra representativa de todas las facetas de su obra.
Inspirado por las tradiciones, colores y aforismos de su país, el fotógrafo Derrick Ofosu Boateng tiene como objetivo presentar una imagen de África luminosa, vibrante y muy distinta a como se ha representado históricamente en el mundo occidental.
Tres pescadores caminan de regreso a sus casas en la zona de Vila de Pesqueiro desde Manacapuru, cien kilómetros río arriba de Manaos, la capital del estado de Amazonas, en Brasil. Pisan bancos de arena por dos kilómetros. La temperatura es de 40 grados. El camino que recorren se asemeja a un desierto, aunque debería ser todo lo contrario. Van por el río Solimões, pero no por las orillas. Lo hacen por el lecho de un caudal que, en octubre de 2024, cuando el fotógrafo peruano-mexicano Musuk Nolte (37 años) tomó la foto que retrata la escena, se encontraba completamente seco. Nolte acaba de ganar premio un World Press Photo en la categoría historias, Sudamérica, por su proyecto Sequía en la Amazonia. “Esa imagen los muestra caminando sobre el lecho de un río que usualmente navegan”, dice Nolte. Antes de la sequía, el Solimões -que corresponde en Brasil al tramo del río Amazonas entre la triple frontera Brasil, Colombia, Perú y la ciudad de Manaos- llegaba hasta la casa de los pescadores, pero por la falta de lluvias, se había reducido y retirado dos kilómetros. El nivel del agua disminuía progresivamente. “Entonces estaban cada vez más lejos”, dice Nolte en una entrevista telefónica con América Futura. Y agrega: “Tenían que caminar 45 minutos para llegar a sus casas en una situación difícil de esfuerzo”. El Servicio Geológico Brasileño indicó, en su momento, que el río sufría bajadas diarias de 19 centímetros en promedio.
Un hombre tira de una barca por el centro poco profundo de un río cercano a la comunidad de São Francisco de Marina, incomunicada debido al bajo nivel de las aguas de los ríos locales. La foto aérea de esos tres pescadores es su preferida de la serie premiada. “Para mí es significativa porque muestra las dimensiones de la escala humana, de lo que representa el humano en un territorio tan basto”, cuenta. Nolte, quien lleva 18 años trabajando la fotografía documental en temas de memoria histórica, cambio climático y comunidades indígenas, mayormente en territorio peruano, no llegó a la Amazonia brasileña de casualidad. Desde hace cinco años, trabaja un proyecto sobre los problemas alrededor del agua. Se llama Geografía del agua y busca retratar el territorio desde diferentes pisos altitudinales para entenderlo de manera más amplia, explica. Primero, fue a Iquitos, en Perú, para documentar la sequía. Pero, “al hablar de la Amazonia, las fronteras geográficas son absurdas en un contexto más complejo”, sostiene. Con la compañía de un amigo fotógrafo, aterrizó en Manaos, Brasil. “El lugar más visiblemente dramático era el más propicio para describir las dimensiones de la baja de los ríos”, cuenta. El río Amazonas cuenta con 6.400 kilómetros, se origina en los Andes peruanos, pasa en su mayoría por Brasil y otra parte por Colombia. Antes de llegar, había visto imágenes y monitorizado la bajada del río. Sin embargo, una vez en Manaos, se sentía mucha confusión. “Parece un desierto, pero cuando uno pone contexto de que está en el Amazonas, algo no cuadra y no encaja en nuestro imaginario”, explica. Y resalta: “Fue distópico. Parecía estar viviendo un momento de transformación radical del planeta”.
Elidia Carolina en su casa a la orilla del río Solimões, en la Amazonía brasileña. Debido a la sequía, la zona que rodea su hogar parece un desierto. Nolte estuvo cerca de un mes fotografiando la zona, gracias a una beca de Bertha Foundation. En ese momento, Manaos sufría los niveles de agua más bajos desde que se iniciaron registros en 1902. Más de 480.000 personas se veían afectadas por la sequía, según la agencia de defensa civil del estado de Amazonas. El río Solimões, específicamente, registraba la peor sequía, lo que dejó a los pueblos cercanos sin comida, agua ni transporte. Según Defensa Civil, la profundidad del río era de apenas tres metros. Quienes viven en la zona entienden que este lugar es dinámico, que los ríos se desplazan y cambian, pero la crisis ya afectaba esa “predictibilidad”, explica Nolte. Allí, el río funciona como una enorme autovía por donde las personas comercializan, se mueven al trabajo, al hospital o a las escuelas. Sin agua, los habitantes llegaron a plantearse si tendrían que dejar sus hogares. “Los afluentes más pequeños eran intransitables, la gente que hacía servicios de transporte ya no quería intentar. Si alguien se enfermaba, no podía ser trasladado a un hospital”, dice.
La Fundación Bertha lucha por un mundo más justo. Apoyamos a activistas , narradores y abogados que trabajan para lograr la justicia social y económica y los derechos humanos para todos. Según un informe de Unicef publicado en noviembre de 2024, la sequía en la Amazonía dejó sin comida, agua y educación a 420.000 niños de Perú, Brasil y Colombia. Además, la cuenca del río Amazonas -el territorio drenado por el río y sus afluentes que se distribuye en Bolivia, Brasil, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela- experimentó niveles históricamente bajos en los cuerpos de agua, afectando el transporte fluvial, el acceso a alimentos, servicios y medicinas para más de 47 millones de personas, según datos del Boletín de Sequía en el Oeste de Sudamérica del Centro Internacional para la Investigación del Fenómeno de El Niño (CIIFEN). Así lo muestra la primera foto de la serie ganadora del World Press Photo de Nolte. En ella se ve a un joven que lleva comida a su madre, quien lo espera en Manacapuru. Para ello, tenía que caminar dos kilómetros por donde antes navegaba. El fotógrafo describe la escena, a través de otra imagen aérea en la que se ven los trazos que dejaron los barcos que intentaban avanzar, como “un territorio que parece que tiene cicatrices”. También se observan viviendas que antes eran casas flotantes y estaban encalladas. Después de que Nolte hicera sus fotografías, las lluvias devolvieron al río su agua. “Ahora, de hecho, está en momento de inundación”, asegura.
El fotógrafo peruano-mexicano Musuk Nolte. Pero para él, lo interesante del premio es la proyección que le da a sus historias, en este caso al impacto del cambio climático. “Me ha interesado buscar puntos extremos donde uno puede señalar o evidenciar lo que va a suceder pronto. Algo que ya está sucediendo, pero que va a suceder cada vez más”, dice. Dentro del proyecto Geografía del agua, Nolte también ha retratado la crisis del acceso al agua en Lima, una ciudad costera, durante la pandemia, la sequía en el Lago Titicaca en la región sur de Puno (3.812 metros sobre el nivel del mar), las inundaciones en la región amazónica de Ucayali, y un derrame de petróleo en el mar peruano, un proyecto con el que también ganó el World Press Photo en 2023. “El agua es lo que conecta los territorios”, explica. “En el colegio se aprende el ciclo del agua: que se evapora en el mar, se convierte en hielo en los nevados, el sol lo derrite y cae por los valles y vuelve al mar. Esa idea no es algo que en la práctica entendamos del todo, cuando abrimos el caño y hay agua ahí”.
Fatma Hassona, una fotoperiodista palestina de 25 años, murió junto a su familia tras un bombardeo israelí en el norte de Gaza. Su historia, capturada en el documental Put Your Soul on Your Hand and Walk, había sido seleccionada para el Festival de Cannes un día antes del ataque. Además, la directora, Sepideh Farsi, confirmó que Hassona, figura central del filme, insistió en permanecer en Gaza pese a su invitación a Cannes. Su muerte eleva a más de 50 mil los palestinos asesinados por Israel desde octubre de 2023, según cifras oficiales. Por otro lado, los organizadores de la Asociación del Cine Independiente para su Difusión Cannes (ACID – Cannes) calificaron su asesinato como un crimen contra la memoria, pues Hassona documentó la resistencia gazatí bajo bombardeos. El tráiler del documental, difundido postmortem, revela su mirada audaz y poética frente a la guerra. Mientras tanto, el ejército israelí continúa con ataques indiscriminados, como el de Khan Yunis, que mató a 34 palestinos, incluidos diez de una misma familia. La ONU acusa a Israel de ejecutar una campaña sistemática contra civiles y periodistas en Gaza.
Por su parte, Farsi, quien filmó a Hassona como testigo de la vida gazatí, declaró: “Ella era mis ojos en Gaza; hoy Israel los cegó”. El documental, ahora legado póstumo, se estrenará en mayo como acto de denuncia global. Su fotografía y poesía, expuestas, desafían el olvido que busca la ocupación. Asimismo, organizaciones de derechos humanos exigen investigar este crimen como parte del patrón israelí de ataques contra la prensa. Hassona, se ha sumado a más de 200 periodistas asesinados por fuerzas de la ocupación desde 2018, según la Federación Internacional de Periodistas.
Hay premios que se celebran por inercia, y otros que todavía logran recordarnos por qué existen. Los Pulitzer de Fotografía 2025 pertenecen al segundo grupo. Este año, los dos galardones más importantes del fotoperiodismo no han premiado la espectacularidad vacía ni la estética sin fondo. Han reconocido el valor de estar en el sitio, mirar con intención y contar con imágenes lo que no siempre se puede escribir. Uno de esos trabajos capturó un instante que, por segundos, pudo cambiar la historia política de Estados Unidos: el intento de asesinato de Donald Trump durante un mitin electoral. El otro retrata una herida que sigue supurando lejos de los focos: la represión en la prisión siria de Sednaya, donde el silencio pesa más que los muros. Ambos tienen algo en común: son trabajos duros, incómodos y profundamente necesarios. Fotografías que no buscan likes, sino memoria. Doug Mills y Moises Saman no hacen la misma fotografía, ni trabajan con el mismo ritmo, pero comparten algo esencial: la capacidad de contar desde dentro. Y eso, hoy más que nunca, merece ser reconocido.
En la categoría de Breaking News Photography, el premio ha sido para Doug Mills, fotógrafo de The New York Times y veterano de la Casa Blanca. Su trabajo fue capturado durante el intento de asesinato de Donald Trump durante un mitin en Pensilvania en julio de 2024. La imagen más reproducida es una de esas que se convierten en documento histórico por derecho propio: muestra una bala pasando a escasos centímetros de la cabeza del expresidente. Trump, con la mandíbula apretada y la vista fija. El disparo, congelado en pleno vuelo. Mills no solo estuvo ahí: supo estar. Con precisión quirúrgica y los reflejos de alguien que lleva décadas detrás de la cámara, captó un momento que, por un segundo, pendió entre el caos y la historia. No es solo una foto de acción. Es una imagen cargada de tensión política, simbología y riesgo. No hay nada impostado. Solo realidad, muy bien contada. El Pulitzer de Feature Photography ha ido a parar a un trabajo completamente distinto, pero igual de potente. Moises Saman, miembro de Magnum Photos y colaborador habitual de The New Yorker, ha documentado con una serie de imágenes en blanco y negro la prisión de Sednaya, en Siria, y las secuelas de la represión del régimen de Bashar al-Asad. Aquí no hay balas volando. Hay silencio. Rostros marcados. Paredes que han oído demasiado. Las fotos de Saman no necesitan explicarse: la atmósfera lo dice todo. Es un trabajo comprometido, lento, íntimo. Lejos de los flashes y del ruido, pero con un peso visual que se queda clavado en la memoria. Fotografías que no solo muestran, sino que invitan —casi obligan— a mirar con calma lo que normalmente pasamos por alto.
Moises Samán (Lima, 51 años) ha ganado este mayo dos premios Pulitzer de fotografía, el galardón más importante del periodismo mundial. Mills y Saman no hacen el mismo tipo de fotografía, ni se mueven en los mismos entornos. Pero sus trabajos tienen algo en común: la capacidad de contar desde dentro. Ya sea con el obturador apretado en mitad de un tiroteo o con el encuadre medido en una celda en ruinas, ambos fotógrafos demuestran que el fotoperiodismo no es solo cuestión de estar en el sitio. Es cuestión de saber mirar. En tiempos en los que la imagen parece diluirse entre filtros, likes y titulares que duran lo que tarda en refrescar la pantalla, premios como estos —cuando se dan bien— sirven como recordatorio: la fotografía sigue teniendo peso, sigue contando lo que importa y sigue siendo una herramienta que, bien usada, no necesita explicación. Solo respeto. Y eso, este año, ha quedado claro.
"Para mí, sin imaginación ni sueño no hay fotografía". Con estas palabras, Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942) define su particular visión del arte fotográfico, que transforma lo cotidiano en imágenes de inquietante belleza. Su obra, reconocida internacionalmente, no solo ha consolidado a la mexicana en el podio de las fotógrafas de mayor prestigio de la cultura contemporánea, sino que además ahora puede conocerse mejor gracias a la programación de PHotoESPAÑA 2025, que incluye una muestra de algunas de las imágenes de su repertorio en la Fundación Casa de México en España, en Madrid, hasta el 14 de septiembre. Este tipo de festivales acercan a las instituciones culturales el trabajo de grandes referentes de la imagen, permitiendo que su mirada poética y simbólica llegue a nuevas audiencias. La exposición Cuando habla la luz reúne 15 de las fotografías más representativas de Graciela Iturbide, realizadas entre 1972 y 2017, en las que se aprecia una doble operación: la artista se mira a sí misma y observa el mundo exterior.
Entre las imágenes destacan sus autorretratos con serpientes emergiendo de la boca o pájaros muertos en los ojos, figuras atravesadas por una profunda sensación de dolor y misterio. En un sueño, como señalan desde el festival, un hombre le dijo: "En mi tierra sembraré pájaros", y esta frase fue una de las que dio lugar a sus fotografías de paisajes poblados de aves irreales, inquietantes y extrañas. La muestra incluye la serie El baño de Frida, que documenta la reapertura del baño de la Casa Azul, en Coyoacán, donde se resguardan objetos y documentos de Frida Kahlo. También destacan imágenes como Mujer ángel, de los seris del desierto de Sonora, y Magnolia, parte de Juchitán de las mujeres, que explora el papel esencial de las mujeres zapotecas y de los muxes, colectivo de identidad de género propia de la cultura zapoteca. Un plan cultural ideal para amenizar la temporada estival en Madrid.
Iturbide captura la vida cotidiana casi siempre en blanco y negro. Se deja llevar por su curiosidad y fotografía simplemente lo que a ella le gusta. Fue inspirada por el trabajo de Josef Koudelka, Henri Cartier-Bresson, Sebastião Salgado y Manuel Álvarez Bravo. Iturbide evita etiquetas sociales y se considera una cómplice de la gente que documenta. Se ha dicho que Iturbide tiene su propia manera de relacionarse con la gente. Produce retratos donde resalta una poesía y vida en sí. Ha expuesto individualmente en el Centre Pompidou (1982), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1990), el Museo de Arte de Filadelfia (1997), el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles (2007), la Fundación Mapfre en Madrid (2009), el Fotomuseum Winterthur (2009), la Barbican Art Gallery de Londres (2012), entre otros.
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------
-------------------------------------------------------------------------------------------------------------- |
|
