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El Museo Americano de Historia Natural de Nueva York retirará
todos los restos humanos expuestos en sus exhibiciones y está
preparando un nuevo lugar de almacenamiento para su colección
de 12.000 restos, que incluye restos óseos de indígenas y
negros esclavizados, según una carta del museo.
«Debemos reconocer que, con la pequeña excepción de aquellos
que legaron sus cuerpos a las escuelas de medicina para continuar
sus estudios, ningún individuo dio su consentimiento para
que sus restos se incluyeran en la colección de un museo»,
dijo el presidente del museo, Sean M. Decatur, en la carta
al personal. En la política de colecciones recientemente actualizada,
el museo declaró que no adquirirá conscientemente “ningún
artículo o lote que haya sido recolectado o recuperado bajo
circunstancias que apoyarían o fomentarían daños irresponsables
o la destrucción de sitios arqueológicos, monumentos culturales
o la contaminación de lugares de entierro humanos”. .”
Se retirarán esqueletos y momias de 12 vitrinas, así como
instrumentos musicales y cuentas hechas de huesos humanos
o que los incorporan, dijo Decatur. De los miles de restos
óseos en la colección del museo, el 26% son de nativos americanos
de Estados Unidos, dijo Decatur en el comunicado. La mayoría
de los demás restos proceden del extranjero, añadió. El museo
también alberga los restos de cinco negros esclavizados que
fueron retirados de un cementerio de Nueva York durante un
proyecto de construcción de una carretera a principios del
siglo XX, decía la carta. Lo que el museo tiene en exhibición
es sólo “un porcentaje muy pequeño” de su colección completa
de restos óseos, dijo la portavoz del museo, Kendra Snyder,
en un comunicado a CNN. Esto incluye un esqueleto humano completo
que se exhibe en una reconstrucción del entierro de un guerrero
de Mongolia alrededor del año 1000 EC, un delantal tibetano
del siglo XIX hecho de hueso humano y, en el Salón de México
y América del Sur, instrumentos hechos de huesos humanos en
una exhibición sobre instrumentos musicales aztecas, dijo
Snyder.
«Ninguno de los elementos expuestos es tan esencial para
los objetivos y la narrativa de la exposición como para contrarrestar
los dilemas éticos presentados por el hecho de que los restos
humanos en algunos casos se exhiben junto a los objetos y
en el mismo plano», dijo Decatur en el carta. «Estos son antepasados
??y en algunos casos son víctimas de tragedias violentas o
representantes de grupos que fueron abusados ??y explotados,
y el acto de exhibición pública amplía esa explotación». El
cambio de política, dijo Decatur, es un intento de abordar
el “complejo legado de la colección de restos humanos” y cómo
la prioridad en el futuro se centrará en almacenar adecuadamente
los restos hasta que pueda ocurrir la repatriación.
«Incluso en los casos en que los elementos de la exhibición
son objetos culturales, este es el paso apropiado a tomar
mientras reevaluamos nuestra administración de las colecciones
de restos de personas que alguna vez vivieron», agregó. En
la carta, el museo reconoció que los investigadores de los
siglos XIX y XX utilizaron restos para promover “agendas científicas
profundamente defectuosas arraigadas en la supremacía blanca,
es decir, la identificación de diferencias físicas que podrían
reforzar los modelos de jerarquía racial”. «La recolección
de restos humanos fue posible gracias a desequilibrios extremos
de poder», dijo Decatur.
El Museo Americano de Historia Natural (AMNH) se emplaza
en el Upper West Side de Manhattan en la ciudad de Nueva York.
Ubicado en Theodore Roosevelt Park, frente a Central Park,
el complejo del museo comprende 20 edificios interconectados
que albergan 45 salas de exposiciones permanentes, además
de un planetario y una biblioteca. Las colecciones del museo
contienen alrededor de 32 millones de especímenes, de plantas,
animales, hongos, fósiles, minerales, rocas, meteoritos, restos
humanos y artefactos culturales humanos así como colecciones
especializadas en tejidos congelados y datos genómicos y astrofísicos,
de los cuales sólo se puede mostrar una pequeña fracción en
un momento dado. El museo ocupa más de 230 metros cuadrados.
AMNH tiene un personal científico de tiempo completo de 225
personas, patrocina más de 120 expediciones de campo cada
año y un promedio de alrededor de cinco millones de visitas
al año.
El naturalista Albert S. Bickmore ideó la idea del Museo
Americano de Historia Natural en 1861 y, después de varios
años de promoción, el museo abrió sus puertas el 22 de mayo
de 1871. La primera estructura del museo construida expresamente
en Theodore Roosevelt Park fue diseñado por Calvert Vaux y
J. Wrey Mold y se inauguró el 22 de diciembre de 1877. A lo
largo de los años se han agregado numerosas alas, incluido
el pabellón de entrada principal (llamado así por Theodore
Roosevelt ) en 1936 y el Rose Center en 2000.
Un molde de fibra de vidrio de un moai en el Margaret Mead
Hall of Pacific Peoples, "actor" en Noche en el
Museo (2006) y basada en un libro de 1993 que se ambientó
en el AMNH. Las escenas interiores se rodaron en un en Vancouver,
Columbia Británica, pero las tomas exteriores de la fachada
del museo se realizaron en el AMNH real. Los funcionarios
de AMNH le han dado crédito a la película por aumentar el
número de visitantes durante la temporada navideña de 2006
en casi un 20 por ciento. Sus secuelas, Noche en el museo:
Batalla del Smithsonian (2009) y Noche en el museo: El secreto
de la tumba (2014), también se desarrollaron parcialmente
en este museo.
El edificio gótico victoriano original fue diseñado por Calvert
Vaux y J. Wrey Mold , ambos ya estrechamente identificados
con la arquitectura de Central Park. El plan original de Vaux
y Mould tenía como objetivo complementar el Museo Metropolitano
de Arte en el lado opuesto de Central Park. El edificio original,
tal como se construyó, estaba en el centro de la fachada de
la calle 77 y medía 61 por 20 m de ancho; presentaba una galería
que medía 34 m de largo y 61 m de alto. Esta galería contenía
un sótano elevado, tres pisos de exhibiciones, arcos góticos
venecianos y un ático con buhardillas y techo de pizarra.
La parte trasera de la galería incluía dos torres: una con
una escalera y la otra con las salas de los curadores. La
estructura original todavía existe, pero está oculta a la
vista por los numerosos edificios del complejo que hoy ocupan
la mayor parte de Manhattan Square. El museo sigue siendo
accesible a través de su vestíbulo de la calle 77, que desde
entonces ha pasado a llamarse Gran Galería.
Un hombre de Ohio que fue esposado y dejado boca abajo en
el suelo de un club social la semana pasada murió bajo custodia
policial, y los agentes involucrados están siendo investigados.
Las imágenes de la cámara corporal de la policía publicadas
este miércoles muestran a un oficial de policía de Cantón
respondiendo a un informe de un accidente de tráfico y encontrando
a Frank Tyson, un residente del este de Cantón de 53 años,
en un bar cercano a un club de Veteranos Estadounidenses,
o AMVETS.
Las imágenes de la cámara corporal del oficial Beau Schoenegge
muestran que después de que un testigo que pasaba por el lugar
en el momento del accidente dirigiera a la policía hacia el
bar, una mujer abrió la puerta y dijo: "Por favor, sáquenlo
de aquí ahora mismo". La policía agarró a Tyson, quien se
resistió a ser esposado, y dijo repetidamente: "Están tratando
de matarme" y "Llame al sheriff", mientras lo llevaban al
suelo. Lo inmovilizaron con una rodilla en la espalda, e inmediatamente
dijo a los agentes que no podía respirar. Una investigación
reciente de Associated Press encontró que esas palabras -
"No puedo respirar" - habían sido ignoradas en otros casos
de muertes bajo custodia policial. Los oficiales le dijeron
a Tyson que estaba bien, que se calmara y que dejara de pelear
mientras estaba boca abajo con las piernas cruzadas sobre
el suelo. La policía bromeaba con los transeúntes y hojeaba
la billetera de Tyson antes de darse cuenta de que estaba
atravesando una crisis médica.
Frank Tyson antes de ser reducido.
Cinco minutos después de que las imágenes de la cámara corporal
grabaran a Tyson diciendo "No puedo respirar", un oficial
le preguntó a otro si Tyson se había calmado. El otro respondió:
"Quizás esté muerto". El caso de Tyson al decirle a los oficiales
que no podía respirar recuerda a los eventos que precedieron
a la muerte de George Floyd a manos de la policía de Minneapolis
en 2020. Según el departamento de policía, los dos agentes
de la oficina de tráfico del Departamento de Policía de Cantón
que están siendo invetigados, Schoenegge y Camden Burch, son
blancos. Tyson no se movió cuando un oficial le dijo que se
pusiera de pie y trató de darle la vuelta. Lo sacudieron y
le comprobaron el pulso. Minutos más tarde, un oficial dijo
que los médicos debían "intensificar sus esfuerzos" porque
Tyson no respondía y el oficial no estaba seguro de poder
sentir el pulso. Los oficiales comenzaron la RCP. El informe
de la policía de Cantón sobre la muerte de Tyson que se emitió
el viernes decía que "poco después de asegurarlo", los agentes
"reconocieron que Tyson había dejado de responder" y que se
le realizó RCP. También se administraron dosis de Narcan antes
de que llegaran los médicos. Tyson fue declarado muerto en
un hospital menos de una hora después. El investigador jefe
Harry Campbell de la oficina forense del condado de Stark
dijo el jueves que se realizó una autopsia a principios de
semana y que los restos de Tyson fueron entregados a una funeraria.
Frank Tyson fue liberado de la prisión estatal el 6 de abril
después de cumplir 24 años en un caso de secuestro y robo
y casi de inmediato fue declarado infractor de la supervisión
de control posterior a la liberación por no presentarse ante
un oficial de libertad condicional, según el Departamento
de Rehabilitación y Corrección de Ohio.
Derek Chauvin en las imágenes que le hicieron antes de entrar
en prisión. El policía Derek Chauvin, condenado por el asesinato
en 2020 del afroestadounidense George Floyd, fue apuñalado
en prisión el pasado Noviembre.
La Oficina de Investigación Criminal del Fiscal General de
Ohio dijo en un comunicado el jueves que su investigación
no determinará si la fuerza estaba justificada y que el fiscal
o un gran jurado decidirán si los cargos relacionados con
el uso de la fuerza están justificados. El alcalde de Cantón,
William V. Sherer II, dijo que expresó sus condolencias a
la familia de Frank Tyson en persona. "A medida que superamos
este momento difícil, mi objetivo es ser lo más transparente
posible con la comunidad", dijo Sherer en un comunicado publicado
el miércoles. El Departamento de Justicia de Estados Unidos
ha advertido a los agentes de policía desde mediados de la
década de los 90 que muevan a los sospechosos boca abajo tan
pronto como estén esposados debido al peligro de asfixia posicional.
El Premio Booker (su denominación completa es Man Booker
Prize for Fiction) se concede de forma bienal desde 1969.
Es uno de los más prestigiosos de habla inglesa y del mundo
entero, más ahora que, desde 2005, se concede también en la
modalidad internacional. El nombre original era Booker-McConnell
Prize, el nombre de la compañía que inventó el premio y lo
organizó hasta 2002, cuando se hizo cargo la Booker Prize
Foundation. Resulta que los hermanos Booker vivieron a principios
del XIX y tuvieron una plantación de algodón en la Guyana
francesa, donde trabajaban esclavos. Un presentador de radio
británico, Richie Brave , se ha manifestado contra este hecho,
aduciendo que debería cambiarse el nombre del premio.
La actual Fundación del Premio Booker no tiene vínculos financieros
con el Grupo Booker original y su premio lo financia Crankstar,
una fundación benéfica. La organización del premio Booker
considera la «prehistoria» del premio los principios que nada
tienen que ver con su discurso actual, pese a las denuncias
de Brave, que en la línea del revisionismo presente cree que
se «blanquean los horrores de la esclavitud». Concluye el
periodista que manteniendo el nombre de Booker «estamos retraumatizando
a personas que ya sienten el trauma como resultado de lo que
sucedió en sus familias históricamente».
Ganadores famosos del Booker:
1971: V. S. Naipaul, En un estado libre.
1974: Nadine Gordimer, El conservador.
1978: Iris Murdoch, El mar.
1981: Salman Rushdie, Hijos de la medianoche.
1983: J. M. Coetzee, Vida y época de Michael K.
1986: Kingsley Amis, Los viejos demonios.
1989: Kazuo Ishiguro, Lo que queda del día.
1998: Ian McEwan, Ámsterdam.
2000: Margaret Atwood, El asesino ciego.
2005: John Banville, El mar.
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Los problemas comenzaron cuando, diez días antes de la boda
de los Kennedy, se rompió una tubería en el taller de Lowe,
desastre que destruyó por completo el vestido de novia original
junto con nueve de los 15 trajes de las damas de honor. Solo
para el vestido principal, se habían empleado dos meses de
trabajo y más de 45 metros de tafetán de seda. El equipo de
la diseñadora trabajó sin descanso para llegar a tiempo y
rehacer las intrincadas piezas, lo que supuso una pérdida
económica de 2.200 dólares (unos 1.900 €, el equivalente a
unos 18.000 € de hoy). Según contó la escritora Rosemary E.
Reed Miller en la entrevista que concedió en 2007 a NPR, el
autoritario padre del novio, Joseph Kennedy, supervisó personalmente
cada detalle del evento, incluido el vestido. Jackie, recién
llegada de París, quería algo sencillo, chic, de aires franceses.
Optar por un diseño ostentoso era en realidad el deseo de
su futuro suegro, también responsable de invitar a un buen
número de periodistas para que cubrieran el gran enlace de
sociedad de la temporada.
Los reporteros de la época desmenuzaron cada detalle del
gran día, excepto quién había diseñado el vestido. Según Miller,
solo Nina Hyde de The Washington Post sacó a relucir el nombre
de Ann Lowe. Para alguien como Lowe, que había alcanzado su
posición con mucho esfuerzo y pese a todo pronóstico, el encargo
podría haber marcado un hito definitivo en su carrera. Sin
embargo, fue borrada por completo de tal momento histórico.
La diseñadora Ann Lowe ajustándole uno de sus vestidos a
Alice Baker, en 1962.
Criada en Alabama, tanto la madre de Lowe como su abuela
trabajaban como modistas para las élites económicas del estado.
En 1914, con solo 16 años, asumió la responsabilidad de terminar
cuatro vestidos de baile para la primera dama de Alabama que
por desgracia había quedado incompletos al fallecer su madre.
Con 18 años ingresó en la escuela de moda de Nueva York donde
sufrió segregación por parte de sus compañeras blancas. Allí
sobresalió y se graduó rápidamente, para trabajar después
en Florida durante 10 años y luego asentarse definitivamente
en Nueva York.
Parece ser que ya en 1964, cuando Jackie Kennedy acababa
de enviudar, los roces que habían surgido 11 años antes entre
la diseñadora y la ex primera dama se habían suavizado. El
Saturday Evening Post citó unas declaraciones de Lowe en las
que afirmaba que la novia había sido “muy amable”, y fue a
partir de estas palabras cuando –según apunta la revista Ebony–
Jackie se habría enterado en realidad de la pesadilla que
vivió Lowe con el primer encargo. Poco después, los miles
de dólares que acumulaba Lowe en deuda con Hacienda fueron
saldados misteriosamente por un “amigo anónimo”, lo que redujo
sus números rojos a la mitad. Según recoge The Washington
Post, Lowe sospecha que ese “amigo”, o más bien “amiga”, podría
haber sido Jackie.
El racismo en la historia del arte: dos exposiciones se adentran
en la representación de los negros y la trata de esclavos
Una muestra en el Thyssen y otra en La Casa Encendida revelan
el papel que tuvieron los personajes africanos en las obras
desde el siglo XVI.
Había pasado cinco años en África como director del fuerte
Elmina, en las costas de la actual Ghana, y Jacob Ruychaver
quería algo especial para el reencuentro con su familia en
la ciudad holandesa de Haarlem. De aquel enclave de la Compañía
Neerlandesa de las Indias Occidentales habían sido expulsados
los portugueses en 1637, y aunque la idea inicial fue explotar
las minas oro de la zona, ante la galopante demanda de esclavos
por la trata transatlántica, aquel fuerte se convirtió en
uno de los puertos más importantes para embarcar africanos
hacia América y el Caribe y estuvo activo unos doscientos
años, hasta que fue vendido a los británicos en el siglo XIX.
Dos siglos antes Ruychaver decidió llevarse a los Países Bajos
a un niño negro para retratarlo junto a su esposa e hijos
y le hizo el encargo al pintor Frans Hals, cotizado renovador
de los retratos en grupo de la época. El resultado fue Grupo
familiar ante un paisaje, datado entre 1645 y 1648, la pieza
central de la exposición La memoria colonial en las colecciones
Thyssen-Bornemisza, en el Museo Thyssen de Madrid. Otra muestra
en La Casa Encendida de Madrid, Un réquiem por la humanidad,
coincide en su afán por revelar cómo los negros fueron representados
desde el siglo XVI como inferiores, animalizados, deshumanizados
y símbolo de estatus para sus “propietarios”.
El cuadro 'Grupo familiar ante un paisaje' (1645-1648_179)
pieza central de la exposición 'La memoria colonial en las
colecciones Thyssen-Bornemisza'.
“En Europa se usaba a los criados africanos como una muestra
de distinción. Los hombres se los entregaban a sus mujeres
para su entretenimiento, como ayuda de cámara, y cuando se
paseaban por la ciudad con un sirviente les daba respetabilidad”,
explica Juan Ángel López-Manzanares, conservador del Thyssen
y uno de los cuatro comisarios de la exposición. Jacob Ruychaver
venía de una prominente familia de Haarlem, con muchos antecesores
que habían ocupado importantes cargos administrativos, un
elitismo que en el cuadro se percibe en las joyas y encajes
que lleva su mujer. Se ajusta al aspecto chic de familia la
vestimenta del personaje africano, el más pequeño de los cinco
que aparecen en la pintura, pero es menos fastuoso, con colores
tenues. Mira al espectador desde los tonos ensombrecidos con
los que lo pinta el pincel suelto y abierto de Hals.
Fue un maestro autodidacta del dibujo. Y también comerciante
de esclavos. Leñador. Plagiario. Falsificó su pasado. Estuvo
en la cárcel. Robó cráneos de soldados mexicanos de un campo
de batalla en Texas en un proyecto de frenología racista y
pseudocientífico que buscaba clasificar las razas humanas
por su inteligencia. ¿Era un monstruo? Existen ciudades, calles
y aves con su nombre. John James Audubon (1785-1851) es todo
un mito. “Fue el fundador de la ornitología estadounidense”,
describe Santiago Merino, profesor de investigación del Museo
de Ciencias Naturales-CSIC. Su pasión por la naturaleza le
enfrentó a un empeño titánico: dibujar a tamaño real todas
las aves de la región. Esa perseverancia se titula The Birds
of America (Las aves de Estados Unidos, en su traducción al
español). Una obra de arte. Sus cuatro volúmenes, escritos
entre 1827 y 1838, incluyen 435 planchas grabadas y coloreadas
y recogen 1.065 pájaros de 489 especies. Los animales parecen
dispuestos a echar a volar. Tan solo sobreviven 200 recopilaciones
y el valor ronda los 11,5 millones de euros. Se ha convertido
en uno de los libros más caros del mundo. Audubon nació en
Saint-Domingue (hoy Haití), probablemente de una de las dos
amantes de su padre en una plantación azucarera. Quizá tuviera
sangre africana. Su pasado fue mentira. En un ensayo escrito
a sus hijos, que cita Gregory Nobles, autor de John James
Audubon: The Nature of the American Woodsman (sin traducción
al español), describe a su madre biológica como una bella
y rica “dama de ascendencia española” de Luisiana que regresó
a Saint-Domingue con el padre de Audubon y se convirtió “en
una de las víctimas durante el lamentado periodo [1791-1804]
de insurrección negra de la isla”. Era falso. Solo era la
reafirmación de un supremacista blanco.
Una nueva biografía resucita la complicada figura del mito
del dibujo de aves, cuyo legado está cada vez más marcado
por las pseudociencias y el racismo.
Los Audubon, incluida su esposa, Lucy, adquirieron esclavos.
En 1810 tuvieron nueve trabajando para ellos cuando vivían
en Henderson (Kentucky). Terminaron vendiéndolos. También
esclavizaron a otros más durante 1820. Tras una década, su
destino fue el mercado. Era una forma de ganar dinero antes
de viajar a Gran Bretaña para imprimir Las aves. Algo imposible
en Estados Unidos por su gran coste. En Londres encontró al
impresor Robert Havel Jr., quien financió las ediciones del
naturalista. Superaba a otros expertos de la época como Charles
Bonaparte (sobrino de Napoleón). También le ayudó ser eidético,
algo similar a tener memoria fotográfica, solo que las imágenes
que se recuerdan se parecen más a un vídeo que a una foto.
Pero hasta llegar ahí grabó las planchas con luz y oscuridad.
Mató a centenares de aves para dibujarlas, se aprovechó de
afroamericanos y nativos de los que conseguía información,
aunque jamás los aceptó como racialmente iguales y tuvo un
desencuentro por plagio con el ornitólogo y pintor Alexander
Wilson (1766-1813), autor de American Ornithology (1808-1814).
Roberta Olson es quien cuida, en una cámara climatizada, las
acuarelas originales de Audubon en la New York Historical
Society. “Es falso que algunas de las aves que dibujó fueran
un fraude. Audubon cometió errores con pájaros jóvenes y pintó
ciertas ‘aves misteriosas’. Varias eran juveniles o con plumajes
inusuales que nunca se habían identificado. No existía la
comprensión de la hibridación actual”, aclara por correo electrónico
esta profesora emérita de dibujo, quien publicó en mayo Audubon
as Artist. A New Look at the Birds of America (sin traducción
al español). El texto propone la influencia de Rubens o Jacques-Louis
David en el ornitólogo. Sin embargo, la pregunta es: ¿qué
pervive, el genio o el esclavista? “No se puede negar la excelencia
del arte de Audubon, y la gente debería verlo. Pero tampoco
se puede negar la vergüenza de la esclavitud, y la gente debería
saberlo”, propone Gregory Nobles. Después, se le condena o
se le absuelve.
Las Radio City Rockettes celebran un siglo de espectáculo
con audiciones abiertas y eventos especiales La legendaria
compañía de danza de precisión abre sus puertas a nuevas bailarinas
mientras celebra 100 años de historia, expandiendo su programa
de desarrollo y preservando su legado a través de una nueva
iniciativa histórica.
Llevan un siglo en los escenarios con una fórmula que funciona.
El 22 de abril empezaron las audiciones abiertas y se va a
crear Rockettes Legacy, que preservará y unirá para siempre
a todas las bailarinas de su historia.. Como patrimonio cultural
estadounidense, las Rockettes continúan reinventándose. La
icónica compañía de danza de precisión celebra a lo largo
de este 2025 su siglo de vida. Por ello, se ha anunciado una
extensión de su prestigioso programa de desarrollo de bailarinas
para que reciban la formación única necesaria para aprender
la Técnica de Danza de Precisión Rockettes, el pasado 22 de
abril empezaron las audiciones abiertas y se va a crear Rockettes
Legacy, que preservará y unirá para siempre a todas las bailarinas
de su historia.
El germen de las Rockettes hay que situarlo en un teatro
de St. Louis cuando Russell Markert inicialmente las denominó
Missouri Rockets. La inspiración para crear este grupo de
bailarinas fueron las Tiller Girls, una compañía de danza
de precisión británica. El avispado empresario Samuel Lionel
Roxy Rothafel se las llevó a Nueva York en 1927 para que actuaran
en el teatro de su propiedad The Roxy, donde las bautizaría
como Roxyiettes. En 1932 se establecieron definitivamente
en su sede, el Radio City Music Hall, donde pasaron a ser
conocidas como las Rockettes. Al año siguiente ofrecieron
su primer espectáculo navideño que se sigue ofreciendo hasta
el día de hoy. Según datos oficiales, en 2024 algo más de
un millón de personas acudieron a ver este espectáculo que
aún conserva el número original Desfile de los soldados de
madera.
100 años de Las Rockettes: la compañía de danza solo para
chicas de más de 1,70 y que no tuvo una bailarina negra hasta
1998.
Durante la época más gloriosa del Hollywood clásico actuaron
como teloneras en King Kong, Desayuno con diamantes o Mary
Poppins y durante la II Guerra Mundial acudieron a diferentes
lugares para entretener a las tropas norteamericanas. Una
de las primeras rockettes conocidas a nivel mundial fue la
estrella de Hollywood Vera-Ellen, quien gracias a sus dotes
como bailarina intervino en Un día en Nueva York (1949) y
Navidades blancas (1954). En 1962, Maria Beale Fletcher fue
coronada como Miss América con 19 años. Hasta unos meses antes
había formado parte del grupo de bailarinas de precisión,
de quien su compañera de habitación en Nueva York confesó
al diario The Asheville Times "era la chica más agradable,
más simpática y con la que era más fácil llevarse bien que
he tenido como compañera de piso en más de dos años con las
Rockettes".
Durante décadas, todas las Rockettes estaban cortadas por
el mismo patrón no ya en cuestiones de altura y de aptitudes
para el baile, sino también en cuanto a color de piel porque
tenían que ser blancas. La dirección daba como argumento válido
que un tono de piel diferente distraía la apariencia consistente
del grupo. Un artículo de The New York Times de 2018 que Russell
Markert, que había sido el director de las Rocketts hasta
principio de los setenta había prohibido broncearse a una
de las bailarinas porque temía que se pareciera a "una chica
de color".
Esa premisa inalterable continuó con su sustituta, Violet
Holmes, que no dudó en defender la larga tradición de prejuicios
raciales al argumentar que las bailarinas debían ser "imágenes
reflejadas" una de otras y que "una o dos chicas negras sin
duda distraerían". Obviamente, las protestas por los derechos
civiles alzaron la voz ante semejante injusticia. Finalmente,
Jennifer Jones, la primera bailarina negra debutó en 1998
en el espectáculo de medio tiempo de la Super Bowl XXII. La
situación ha ido mejorando ya que en 2019 fue contratada Sydney
Mesher, la primera con una discapacidad visible ya que le
faltaba la mano izquierda debido a la simbraquidactilia. Para
ser una rockette la aspirante ha de tener como mínimo 18 años,
medir al menos 170 cm de estatura y dominar a la perfección
claqué, jazz, ballet y moderno. En las últimas décadas han
colaborado con notables figuras del espectáculo como Mariah
Carey, Jennifer López, los Back Street Boys, Jimmy Fallon
o Pitbull. Y en 2024, más de 800 bailarinas de 47 estados
norteamericanos y 24 países acudieron a las audiciones abiertas.
Brasil fue el último país de América en abolir la esclavitud,
el 13 de mayo de 1888. En esa misma fecha del año siguiente,
la comunidad negra de Santo Amaro da Purificação, una pequeña
localidad del Estado de Bahía, lo celebró de una forma alegre
y valiente: sacando a la calle sus fiestas religiosas, hasta
entonces relegadas a la clandestinidad. Esa celebración, el
‘Bembé do Mercado’ es la única de su tipología que sobrevive
en Brasil. En los últimos años, ha ido transitando de la marginalidad
a un reconocimiento que ya llama a las puertas de la Unesco.
Para el fotógrafo y artista visual Roque Boa Morte, los recuerdos
de la fiesta se remontan a su infancia, cuando su madrina
le llevaba de la mano, y él se perdía entre las enormes y
blanquísimas faldas engomadas de las baianas de los terreiros
de candomblé, los centros de culto de la religión afrobrasileña
predominante en la zona. Hasta los años 50, apenas había registros
fotográficos de la fiesta y, cuando empezó a haberlos, estaban
marcados por una mirada que buscaba lo exótico, el folclore,
y se quedaba en la superficie, comenta Boa Morte en conversación
telefónica. Después de cinco años de trabajo y esfuerzos para
quitarse de encima una formación “eurocéntrica”, Boa Morte
ha construido un archivo de más de 9.000 imágenes, que formarán
parte del Museo Afrodigital de la Memoria Afrodiaspórica,
vinculado a la Universidad Federal de Bahía.
Ofrenda para Oxum camino del mar.
El Bembé do Mercado fue impulsado por João de Obá, un exesclavizado
de origen malé (como se designaba a los africanos de origen
musulmán), pero que también practicaba el candomblé. Con el
tiempo, su decisión de celebrar en la calle la abolición de
la esclavitud y poner en valor la lucha de los negros por
la libertad, se convirtió en un grito que encaraba el relato
oficial: durante muchos años, los libros de Historia han obviado
la lucha del movimiento negro y solían dar todo el protagonismo
a la princesa Isabel, hija del emperador Pedro II, que fue
quien firmó la tardía y escueta ‘Ley Áurea’, apenas una frase
con la que se acabó con casi 400 años de esclavitud.
A día de hoy, el Bembé es una frondosa representación de
la cultura y resistencia negra: además de los líderes religiosos,
participan bailarines de samba de roda y maculelê, capoeiristas
y otros colectivos, como el Nego Fugido y sus centenarias
representaciones teatrales, que reviven la lucha de los esclavizados.
El Bembé cuenta con la participación de más de 60 terreiros
de la zona, dura varios días y tiene su punto álgido en el
xirê, el ritual en que se realizan los cánticos y danzas sagradas
en homenaje a los orixás, en particular a Xangô, el dios yoruba
de la justicia. Tras la fiesta, en la plaza del mercado de
Santo Amaro, se inicia un desfile por las calles de la ciudad
hasta una playa cercana, donde los fieles y los pescadores
se unen para entregar una ofrenda al mar, en agradecimiento
a las divinidades de las aguas, Oxum y Yemanjá.
La danza para Yansã con Mãe Miroca e Júnior de Odé.
El administrador de la fiesta desde hace años es José Raimundo
Chaves, más conocido como el babalorixá (sacerdote) Pai Pote.
Cuenta por teléfono que está encantado de que un hijo de la
ciudad se haya convertido en el gran embajador de la celebración:
“Ves las fotografías y ves el sufrimiento, la alegría, el
trabajo que hay detrás… La investigación de Roque es importantísima,
pone en valor a todo el pueblo negro y el legado de Santo
Amaro”, dice orgulloso. Parte de esas fotografías se pueden
ver estos días en la muestra A festa dos olhos do Rei, justo
en la plaza del mercado donde sucede todo. El fotógrafo cuenta
que para realizarlas, se sumergió en la metodología andina
ch’ixi, que propone una visión no dicotómica para descolonizar
la mirada. “Se busca un proceso de empatía con la persona
que está siendo retratada. A veces, no fotografiar es un acto
de levantarse contra esa furia de las imágenes”, dice Boa
Morte, que lamenta el proceso “prácticamente de expolio” de
las nubes de decenas de fotógrafos de fuera de la ciudad que
llegan a la fiesta cada año.
Cómo conciliar el creciente interés con la preservación del
misticismo de la fiesta es uno de los dilemas a los que se
enfrenta el Bembé en estos momentos, aunque una de las vías
más factibles quizá sea dejar que sean sus vecinos quienes
la cuenten. Además del trabajo de Boa Morte, el Bembé de este
año también acogió el estreno de un documental sobre el Pai
Pote, (’Pai Pote, o filho de Ogun’), dirigido por Laís Lima
y producido por Nathália Ribeiro, otras dos santamarenses.
La visibilidad a nivel nacional dará un salto de escala a
partir de febrero del año que viene, cuando la celebración
abolicionista será la homenajeada en los monumentales desfiles
del carnaval de Río de Janeiro, por parte de la escuela de
samba de Beija-Flor.
Pai Pote lleva una ofrenda para el orixá Exú.
En la localidad, famosa en Brasil por ser la patria de Caetano
Veloso y Maria Bethânia, el momento se vive con orgullo, pero
también con algo de recelo. Boa Morte asume que a mayor divulgación,
mayores son los riesgos, pero ve difícil que el Bembé, una
celebración curtida en la resistencia y que aún sufre con
la intolerancia (sobre todo de fundamentalistas evangélicos)
sucumba a las mieles del éxito: “Lo importante siempre existirá.
Lo que hay de esencial de magia, de macumba, no es visible
a todo el mundo”, dice Boa Morte. No es una forma de hablar.
Se refiere a uno de los momentos más conocidos y al mismo
tiempo más crípticos de la celebración: en los días previos,
los líderes religiosos invocan a Exú (el orixá protector de
los caminos y encrucijadas) para “bloquear” los accesos a
la ciudad, para que no haya problemas y para que durante la
fiesta los feligreses no incorporen espíritus. En su momento
fue un mecanismo para garantizar la integridad física ante
las miradas intolerantes. La posibilidad de ver negros en
trance en plaza pública era algo inimaginable. Entre esas
9.000 imágenes de Boa Morte, que ahora están a disposición
de los estudiosos, no hay ninguna que retrate ese u momentos
especialmente sensibles. “Hay no sé cuántas imágenes que he
captado, e infinitas fotografías que no hice y que están en
mi cabeza. Hay cosas que no están ahí para ser registradas”,
dice convencido.
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