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El 1 de noviembre de 1942, la Batalla de Stalingrado alcanzaba su momento más crítico. Tras más de tres meses de intensos combates urbanos, las fuerzas alemanas del 6º Ejército, bajo el mando del general Friedrich Paulus, controlaban la mayor parte de la ciudad, pero estaban exhaustas y mal abastecidas. La resistencia soviética, organizada por el general Vasili I. Chuikov y coordinada estratégicamente por el mariscal Gueorgui K. Zhúkov, mantenía posiciones clave en el sector industrial y en la orilla occidental del Volga. La situación de aparente dominio alemán ocultaba un progresivo desgaste y la inminencia de una contraofensiva soviética que cambiaría el curso de la guerra.

El rostro de la lucha en Stalingrado. Un agotado 'Panzergrenadier' tras otro ataque fallido.

A comienzos de noviembre de 1942, el frente del Volga se había convertido en el epicentro del conflicto germano-soviético. Desde el lanzamiento de la ofensiva alemana en el verano —la Operación Blau—, el objetivo principal del Grupo de Ejércitos B había sido capturar Stalingrado, asegurando el control del Volga y protegiendo el avance hacia los campos petrolíferos del Cáucaso. Sin embargo, lo que inicialmente se concibió como una operación rápida se transformó en una de las batallas más largas y sangrientas de la historia moderna. El 6º Ejército alemán, junto con elementos del 4º Ejército Panzer, había penetrado profundamente en la ciudad desde septiembre. Para el 1 de noviembre, las tropas de Paulus controlaban aproximadamente el 80% de Stalingrado, incluidos sectores cruciales como la colina de Mamáyev Kurgán, los escombros de la fábrica de tractores Dzerzhinski y parte de la planta metalúrgica Barrikady. No obstante, los soviéticos conservaban un corredor estrecho en la ribera del Volga, a través del cual mantenían un flujo constante —aunque peligroso— de hombres, armas y suministros desde la orilla oriental. El aparente dominio alemán escondía una situación crítica. El 6º Ejército sufría un progresivo agotamiento material y humano.

Jonathan Trigg, reconocido autor sobre la II Guerra Mundial y antiguo oficial del Ejército británico, en Stalingrado.

Las pérdidas acumuladas desde agosto superaban los 100.000 hombres entre muertos, heridos y desaparecidos. Las unidades de infantería estaban reducidas a una fracción de su fuerza nominal, y los tanques y cañones se encontraban al límite de su operatividad debido al desgaste y la escasez de repuestos. La cadena logística alemana estaba sobreextendida. Las líneas de suministro, que se extendían cientos de kilómetros a través de la estepa rusa, eran vulnerables a la acción partisana y a las condiciones meteorológicas. Con la llegada del invierno, las temperaturas comenzaron a descender hasta los 40º C, afectando tanto al personal como al equipo. Las raciones de alimentos y combustible se reducían drásticamente, y la moral de las tropas, enfrentadas a una resistencia inquebrantable, empezaba a deteriorarse. La defensa soviética, dirigida por el general Chuikov desde su puesto de mando en las ruinas de la ciudad, se basaba en tácticas de combate cuerpo a cuerpo y en el aprovechamiento máximo del terreno urbano. La consigna “Ni un paso atrás” (Ni shagu nazad), impuesta por la Orden Nº 227 de Stalin, se convirtió en principio rector de la defensa. Los soviéticos mantenían el control de las fábricas del norte —“Octubre Rojo”, “Barrikady” y “Tractor de Stalingrado”—, zonas que se transformaron en fortalezas improvisadas. Las pequeñas unidades del 62º Ejército combatían desde sótanos, escombros y fábricas en ruinas, con francotiradores y zapadores infligiendo bajas constantes a los atacantes.

Las confesiones del general nazi que desveló la torpeza militar de Hitler: «Stalingrado culminó el desastre». Franz Halder escribió en 1949 un libro de apenas sesenta páginas en el que recogió los fallos más dolorosos que cometió el 'Führer' en la URSS.

Cada edificio conquistado requería un elevado coste en vidas y material. Mientras tanto, el alto mando soviético (STAVKA), encabezado por Zhúkov y Aleksandr Vasilevski, preparaba una ambiciosa maniobra de cerco: la Operación Urano. Su ejecución dependía de la acumulación secreta de tropas y medios mecanizados en los flancos norte y sur del saliente alemán, defendidos en gran parte por unidades rumanas, italianas y húngaras, mucho menos experimentadas y peor equipadas. Durante la primera quincena de noviembre, mientras el 6º Ejército alemán intentaba sin éxito eliminar los últimos focos de resistencia dentro de la ciudad, el Ejército Rojo concentraba sus fuerzas en las zonas de Serafimóvich, Kletskaya y Kotelnikovo. La artillería, los cuerpos mecanizados y los ejércitos de choque estaban listos para iniciar la ofensiva. La inteligencia alemana subestimó la magnitud de la amenaza. Paulus, confiando en que la victoria en Stalingrado estaba próxima, concentró sus esfuerzos en los combates urbanos. Hitler, desde el cuartel general de Rastenburg, insistía en mantener la ofensiva dentro de la ciudad y prohibió cualquier retirada significativa, ignorando las advertencias del general Kurt Zeitzler sobre la fragilidad de los flancos. El 1 de noviembre de 1942 marcó el punto de transición entre la ofensiva alemana y la inminente inversión de la situación estratégica. La aparente victoria del 6º Ejército escondía su agotamiento irreversible.

Soldados de la Wehrmacht tirando de un coche embarrado, noviembre de 1941. La rasputitsa desempeñó un papel crucial durante las diferentes guerras en Rusia, particularmente en la Segunda Guerra Mundial donde la Blitzkrieg fue casi detenida por el lodo, haciendo los tanques más poderosos prácticamente inutilizables.

Las fuerzas soviéticas, pese a las pérdidas devastadoras, mantenían la iniciativa oculta tras sus líneas. Tres semanas más tarde, el 19 de noviembre, el lanzamiento de la Operación Urano rodearía a más de 250.000 soldados del Eje en Stalingrado. El equilibrio de fuerzas se había alterado de manera definitiva. Lo que el Alto Mando alemán percibía como una victoria parcial se convirtió, en realidad, en el preludio de su mayor derrota. Stalingrado no solo marcó un punto de inflexión en la Segunda Guerra Mundial, sino que simbolizó el comienzo del fin del expansionismo alemán en el Este.

Puedes pedirle a los Reyes Magos los siguientes libros ...

-Antony Beevor, Stalingrado, Barcelona: Crítica, 2000.

-David M. Glantz & Jonathan House, To the Gates of Stalingrad, University Press of Kansas, 2009.

-John Erickson, The Road to Stalingrad, London: Weidenfeld & Nicolson, 1975.

-Vasili I. Chuikov, La batalla de Stalingrado, Moscú: Ediciones Progreso, 1965.

-Geoffrey Jukes, Stalingrado: el punto decisivo, Madrid: San Martín, 1980.

Photographos es la revista fotográfica impresa más antigua y de mayor trayectoria en Grecia, publicada ininterrumpidamente desde 1989.

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El Festival de Fotografía de Belfast es el festival anual de fotografía más grande del Reino Unido e Irlanda. Con más de 30 sedes, presenta fotografía contemporánea de vanguardia de artistas locales, nacionales e internacionales.

El Simposio Nacional de Fotografía de Autor Jardín Remoto Experience 2025 que se celebra del 14 al 16 de noviembre en el convento de Nanclares de la Oca (Álava) premiará en ésta su tercera edición a cinco de los asistentes participantes en la revisión de portfolios del domingo 16 de noviembre por la mañana.

Pronto sabremos los ganadores del PARIS INTERNATIONAL STREET PHOTO AWARDS.

Ignacio López Bocanegra, más conocido como Nacho López, (Tampico, Tamaulipas, 20 de noviembre de 1923 – Ciudad de México, 24 de octubre de 1986) fue un fotógrafo mexicano, figura importante en el periodismo fotográfico de dicho país en el siglo XX. Casi rechazó la creación de imágenes que retrataban un México exótico y prefirió la fotografía de gente común de la Ciudad de México a la de la élite política y social. Se le acredita haber sido el primero en México en trabajar con series fotográficas, a las que llamó "fotoensayos" hechos para publicarse en revistas ilustradas semanales en el país. Cerca de la mitad de sus fotografías fueron de situaciones organizadas por López, diseñadas para capturar las reacciones de los presentes en el evento.

Aunque como fotoperiodista estuvo activo por menos de una década en la década de los años 1950, fue una influencia para las generaciones de fotoperiodistas que lo sucedieron, y dejó una colección de aproximadamente 33,000 imágenes resguardada hoy en el Fondo Nacho López de la Fototeca Nacional de México.

Visual Art Open otorga un prestigioso premio de 10.000 libras esterlinas, diseñado para reconocer y promover el talento artístico excepcional a nivel internacional . Además de importantes premios en metálico, los ganadores obtienen acceso a destacadas oportunidades de exposición, desarrollo profesional personalizado y beneficios exclusivos para miembros.

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Trabajadores armados de Praga conducen a dos prisioneros por la calle: un oficial de la Gestapo y un SS-Hauptscharführer. Estos dos, antes de ser capturados, habían disparado al aire desde el ático de un edificio. Emil Fafek tomó la imagen en mayo de 1945. Durante la Segunda Guerra Mundial, Fafek fue un trabajador forzado en Alemania. A principios de mayo de 1945, regresó a Praga, donde fotografió el levantamiento de la resistencia checa contra los ocupantes alemanes, que terminó en un alto el fuego cuando el Ejército Rojo entró en la ciudad.

Ese mismo año, Fafek se convirtió en fotógrafo del recién fundado diario Mladá Fronta, donde permaneció durante más de 40 años. Era muy común que los agentes de la Gestapo, especialmente aquellos que realizaban investigaciones o arrestos, vistieran de civil para pasar desapercibidos entre la población y poder operar de forma encubierta.

El 23 de Agosto de 1989, cerca de dos millones de personas en Lituania, Estonia y Letonia formaron una cadena humana de más de 675 kilómetros para protestar pacíficamente contra la ocupación sovietica.

Esta histórica manifestación, conocida como La cadena báltica, simbolizaba su deseo de libertad.

Limpiando los canales de Venecia, 1956.

Los canales de Venecia se congelaron por última vez en 2012, y la anterior fue en 1929. Todo el agua de los canales se renueva de forma natural cada 12 horas debido a las mareas.

La misión de estos premios es descubrir, exhibir y promover a fotógrafos que trabajan en todos los géneros de la fotografía analógica en todo el mundo.

En la Unión Soviética de los años treinta, la lealtad podía durar menos que un suspiro. Y ningún ejemplo ilustra mejor esa época de sombras que la historia de Henrikh Yagoda, jefe de la NKVD, y de su esposa, Ida Averbakh. Ida no era una figura menor. Intelectual, militante convencida del proyecto soviético, en 1936 escribió una frase que hoy resuena con un eco trágico: “El GULAG es un medio ideal para transformar la peor materia humana en constructores activos del socialismo”. Un año después, aquel mismo sistema que ella defendió la declaró enemiga del pueblo. Fue arrestada, enviada al GULAG y ejecutada con un disparo en la nuca. La “reeducación” que tanto había elogiado se convirtió en su sentencia. Pero detrás de su caída estaba la caída aún más ruidosa de su esposo. Henrikh Yagoda —fiscal implacable, responsable directo de miles de arrestos, torturas y condenas a campos de trabajo— cometió un error fatal: ser útil solo hasta el día en que Stalin dejó de necesitarlo.

Todo estalló tras un episodio casi absurdo. Máximo Gorki, el escritor más influyente del régimen, pidió permiso para viajar a Italia por motivos de salud. La llamada llegó al Kremlin en un tono que Stalin consideró insolente. La respuesta del líder fue un frío recordatorio disfrazado de metáfora: un avión llamado “Máxim Gorki” había caído porque “volaba demasiado alto”. El mensaje era claro: el escritor también estaba volando donde no debía. Stalin llamó entonces a Yagoda y le ordenó “ocuparse de Gorki”. Poco después, el escritor enfermó y murió. En aquella época, las coincidencias eran demasiado precisas para ser coincidencias. Y como ocurría siempre en el círculo del poder estalinista, una vez cumplida la función, el ejecutor se convertía en futuro ejecutado. La caída de Yagoda fue tan teatral como cruel. Stalin lo acusó de traición, conspiración y espionaje —cargos que él mismo había utilizado contra miles— y ordenó que presenciara la ejecución de catorce condenados antes de enfrentarse a la suya. Era el tipo de ironía que definía el terror. Ida e Yagoda, figuras centrales del aparato represivo, desaparecieron en 1937 sin que quedara ni memoria oficial ni funerales, tan solo un hueco en los archivos y una advertencia silenciosa: en el gran proyecto soviético, nadie estaba a salvo, ni siquiera quienes lo habían construido a base de miedo.

Hoy, cuando algunos evocan con nostalgia la Unión Soviética, es imposible no recordar estas historias. Porque más allá de los discursos, la planificación y la propaganda, hubo vidas quebradas, familias destruidas y un país entero gobernado por el temor. Una época donde el poder podía levantar imperios… y borrarlos con el mismo trazo.

En la fotografía pueden ver a 8 trabajadores de Shockley Semiconductor Laboratory conocidos como "Los 8 traidores" En 1955, Shockley fundó su propia empresa para desarrollar y producir transistores y diodos. Sin embargo, es bien sabido que Shockley tenía un carácter complicado y a veces agresivo, incluso puede ser considerado como paranoico. La paranoia de Shockley por ser espiado llegaba al punto de grabar todas las llamadas, evitar que entre compañeros compartieran sus avances o aplicar el detector de mentiras a sus empleados. Todo esto llevó a que 8 de sus trabajadores renunciaran a su empresa y se aliaran con Sherman Fairchild para fundar Fairchild Semiconductor, empresa que durante años sería líder en el mercado de semiconductores tanto en tecnología como en venta. Actualmente la empresa es parte de ON Semiconductor. En la fotografía, de izquierda a derecha, tenemos a Gordon Moore, Sheldon Roberts, Eugene Kleiner, Robert Noyce, Victor Grinich, Julius Blank, Jean Hoerni y Jay Last. Si bien todos tuvieron relevancia de una u otra forma tras abandonar Fairchild Semiconductor, hay 4 nombres que sobresalen de todos los demás.

- Jean Hoerni el inventor del proceso planar, la cual es la técnica de manufactura utilizada para fabricar circuitos integrados.

- Eugene Kleiner co-fundador de Kleiner Perkins, una empresa que se especializa en invertir en empresas en crecimiento. Algunas empresas en las que ha invertido son Amazon, EA, Google, Palo Alto y Twitter

- Robert Noyce co-fundador de Intel e inventor del primer circuito integrado de silicio. Aunque la tecnología ha ido cambiando, los chips actuales se basan en el chip creado por Noyce.

- Gordon Moore co-fundador de Intel y conocido principalmente por la Ley de Moore, la cual nos dice que el número de transistores en un circuito integrado se duplica cada año.

La hiperinflación en Alemania en 1923 fue un colapso económico extremo donde los precios se duplicaban cada pocos días, alcanzando un pico en noviembre con tasas mensuales del 3.250.000%, haciendo que el dinero se volviera casi inútil (un dólar llegó a valer billones de marcos) y llevando a la gente a usar billetes para combustible o decoración, siendo una consecuencia directa de la impresión descontrolada de dinero para pagar reparaciones de guerra tras la Primera Guerra Mundial y la ocupación del Ruhr, hasta que se estabilizó con el Rentenmark y el Plan Dawes.

Niños alemanes jugando con fajos de dinero sin valor durante el apogeo de la hiperinflación en 1923.

Una barra de pan costaba 160 marcos a finales de 1922 y 200 mil millones de marcos en noviembre de 1923. El Tratado de Versalles impuso pagos enormes, que Alemania intentó cubrir imprimiendo más dinero, agotando sus reservas. Francia y Bélgica ocuparon la Región del Ruhr, la zona industrial, por impagos; el gobierno alemán financió la resistencia pasiva imprimiendo aún más billetes. La falta de confianza en el marco llevó a una impresión descontrolada, devaluando la moneda día a día.

El acorazado "Gneisenau" en el dique seco de Howaldtswerke en Kiel, poco después de que un torpedo del submarino británico HMS Clyde impactara gravemente su proa el 20 de junio de 1940. La potente explosión abrió un boquete de varios metros de ancho en el costado de estribor, deformó las placas de acero como si fueran láminas finas y reventó secciones enteras de los primeros mamparos. Tras un sellado temporal en Trondheim, Noruega, el crucero, gravemente dañado, fue remolcado a su astillero, donde fue apuntalado sobre bloques de quilla. La foto muestra claramente la enorme magnitud de la destrucción, en comparación con los minúsculos trabajadores del astillero en el suelo del muelle. A pesar del enorme boquete, el "Gneisenau" se mantuvo a flote; las extensas reparaciones se prolongaron hasta finales del otoño de 1940, antes de que el barco volviera a estar listo para el servicio.

En 1927, Benito Mussolini ordenó el drenaje del lago Nemi, un lago volcánico cerca de Roma. Ocultos bajo sus oscuras aguas durante casi 1900 años yacían dos reliquias extraordinarias: los palacios flotantes de Calígula, el infame emperador de Roma. Construidos en el siglo I d. C., los barcos eran maravillas de la ingeniería: enormes leviatanes de madera adornados con suelos de mármol, mosaicos, sistemas de plomería e incluso plataformas giratorias. Tras la muerte de Calígula, fueron hundidos deliberadamente, y sus secretos se conservaron en silencio bajo el lago. El primer barco emergió en 1929. Al año siguiente, el segundo, de mayor tamaño (73 x 24 metros, 240 x 79 pies), emergió. Una foto tomada alrededor de 1931 lo muestra recortado contra las aguas que se retiraban, una ilusión de flotación tras casi dos milenios de inmersión. Para 1932, ambos barcos habían sido recuperados por completo y exhibidos en un museo construido exclusivamente para honrarlos. Pero su supervivencia fue desgarradoramente breve. En 1944, durante la Segunda Guerra Mundial, un incendio consumió el museo.

Ya sea provocado por las tropas alemanas en retirada o por la artillería aliada, las llamas redujeron a cenizas los barcos de Calígula, preservados durante 1900 años bajo el lago Nemi, en tan solo una noche. Hoy solo quedan fragmentos carbonizados y fotografías, recordatorios fantasmales de tesoros perdidos y de lo frágiles que pueden ser incluso los logros más grandiosos de la historia.

Entre los campos de concentración del régimen nazi, Mauthausen, en Austria, fue el más temido. No por su tamaño, sino por su crueldad. Los prisioneros sabían que ser enviados allí equivalía a una condena segura. Clasificado como campo de categoría III, Mauthausen estaba reservado para los llamados “enemigos más peligrosos del Estado”. Su castigo no era inmediato, sino metódico: el exterminio por trabajo, hambre y agotamiento. En el corazón del campo se alzaba la cantera de granito, un abismo tallado a fuerza de sufrimiento. Cada día, los prisioneros eran obligados a cargar enormes bloques de piedra y subirlos por los 186 peldaños irregulares de la llamada Escalera de la Muerte. Si uno caía, arrastraba consigo a los demás, en una avalancha de cuerpos y rocas. Los guardias de las SS lo sabían. Se burlaban, empujaban, hacían correr a los reclusos con cargas imposibles.

Algunos morían en el acto; otros eran ejecutados por detenerse un instante a respirar. A diferencia de otros campos, Mauthausen apenas usaba gas. Su arma era más lenta y deliberada: el trabajo hasta la extenuación. Hambre, frío, golpes y jornadas interminables transformaron el lugar en un laboratorio de la deshumanización. Para los prisioneros de todo el sistema nazi, escuchar el nombre de Mauthausen era suficiente para perder la esperanza. Significaba haber llegado al punto donde la vida se convertía en resistencia pura, y la muerte, en descanso. Hoy, sus muros permanecen en pie. No como ruinas, sino como testigos. Allí donde las piedras aún recuerdan el eco de los pasos forzados, el mundo se enfrenta con una verdad imposible de olvidar: que el horror también puede construirse peldaño a peldaño.

Tokio, 15 de agosto de 1945. El aire estaba quieto, denso, como si el país entero contuviera la respiración. Millones de japoneses se reunieron en calles, templos y estaciones para escuchar una voz que jamás habían oído antes: la del emperador Hirohito. Era la primera vez en la historia que un monarca japonés se dirigía directamente a su pueblo. Su mensaje, transmitido por radio, fue breve, solemne… y devastador: Japón se rendía. La Segunda Guerra Mundial había terminado. Las palabras, cuidadosamente elegidas, evitaban mencionar la palabra rendición. En cambio, el emperador habló de “soportar lo insoportable” para preservar la nación. Pero todos entendieron. Algunos rompieron en llanto. Otros inclinaron la cabeza en silencio.

Y muchos simplemente miraron al suelo, incapaces de asimilar el final de un sueño imperial que había consumido millones de vidas. En ese instante, Tokio se transformó. No en ruinas ni en humo —ya había visto suficiente de eso—, sino en un océano de silencio. Fue el eco de una nación que comprendía, por primera vez, la magnitud del dolor y la derrota. Aquel día no fue solo el fin de una guerra. Fue el comienzo de una reconstrucción moral, política y espiritual que cambiaría para siempre el destino de Japón.

Esta imagen estremecedora fue tomada durante la Hambruna de Madrás de 1877, bajo el dominio británico en la India. Muestra a un hombre demasiado débil para mantenerse en pie… pero aún de pie, protegiendo a su familia moribunda del hambre y de la desesperación que llevó a muchos al canibalismo. Entre 1876 y 1878, una combinación de sequías devastadoras y negligencia colonial provocó una de las peores tragedias humanas de la historia. Más de 5 millones de personas murieron, no solo por falta de alimento, sino por políticas que priorizaron la exportación de granos sobre la vida de los propios habitantes. Detrás de esas miradas vacías no hay solo sufrimiento: hay dignidad, resistencia y el último gesto de amor de un padre que se niega a rendirse en un mundo sin compasión.

Nueva York, 1964. El crítico Peter Bogdanovich y el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock, compartían daiquiris en el piso 25 del hotel St. Regis. Entre risas y anécdotas, hablaban de su tema favorito: cómo matar en pantalla con elegancia. Al terminar la noche, tomaron el ascensor. En el piso 19, subieron tres desconocidos. Entonces, Hitchcock giró hacia su acompañante y dijo, con la calma de quien está relatando una receta: —“Fue horrible… sangre por todas partes”. Los recién llegados se quedaron rígidos. El director continuó, imperturbable: —“Un chorro le salía por la oreja, otro por la boca… el suelo estaba cubierto”. El ascensor descendía lentamente, y el silencio se volvió una cuerda tensa. Nadie se atrevía a mirarlo, pero todos escuchaban. El suspense era absoluto. Cuando las puertas se abrieron, Hitchcock y Bogdanovich salieron. Antes de irse, el crítico le preguntó: —“¿Y qué dijo el hombre?” Hitchcock sonrió y respondió: —“Nada. Es mi historia del ascensor. La inventé para que la gente sintiera lo que significa el suspense”. Y así, sin cámaras ni guion, el genio que reinventó el miedo demostró una vez más su poder: crear tensión incluso en el espacio más cotidiano. En el fondo, Hitchcock no necesitaba una película para hacer cine. Le bastaba un ascensor.

La relación entre Alfred Hitchcock y Peter Bogdanovich es la de un influyente director de cine ("el maestro del suspense") y un joven crítico y cineasta que lo admiraba profundamente, hasta el punto de entrevistarlo extensamente en los años 60 para su libro El director es la estrella (The Director's Eye), donde Bogdanovich, organizó una retrospectiva de Hitchcock en el MoMA y documentó sus ideas sobre el "cine puro", la creación de suspense y sus películas favoritas como Sombra de un engaño y Psicosis, a menudo usando anécdotas famosas como la de la "historia del ascensor" para ilustrar su genialidad.

La NASA ha publicado una serie de imágenes remasterizadas de Marte en ultra alta resolución, ofreciendo una visión sin precedentes de la superficie marciana. Las imágenes están disponibles para el público en el sitio web oficial de la NASA, permitiendo a científicos y entusiastas del espacio examinar la superficie de Marte como nunca antes.

Vista detallada de una duna activa en Marte, conocida como “High Dune”, parte del campo de dunas de Bagnold. Esta imagen fue tomada por el rover Curiosity, mostrando los patrones de viento y sedimentación en el paisaje marciano.

En un proyecto visual fascinante, la NASA ha difundido fotografías a gran resolución de la “High Dune”, una de las primeras dunas de Marte estudiadas de cerca. Capturadas por la Mastcam del rover Curiosity, estas imágenes muestran la superficie ondulada de las dunas del campo de Bagnold, ubicadas en el flanco noroeste del Monte Sharp . Estas dunas están activas y se desplazan hasta un metro por año, lo que demuestra que el planeta aún posee dinámicas geológicas notables. Las fotografías fueron tomadas durante el sol 1.176 de la misión del Curiosity, y han sido ajustadas con un balance de blancos que simula cómo se verían bajo la luz del día terrestre. La cámara fue desarrollada por Malin Space Science Systems y el proyecto es dirigido por el Laboratorio de Propulsión a Chorro (JPL), una división del Instituto Tecnológico de California. Esta colaboración ha permitido que el rover Curiosity siga revelando los secretos de Marte con imágenes de altísima calidad.

La superficie ondulada de la primera duna de arena marciana estudiada de cerca ilustra esta imagen de la «High Dune» (Duna Alta) obtenida con la Mastcam (Cámara de Mástil) del rover Curiosity de la NASA. Este lugar forma parte del campo de «Dunas de Bagnold» a lo largo del flanco noroeste del Monte Sharp. Las dunas son activas, migrando hasta alrededor de un metro por año.

Una vista de la cima de una duna de arena marciana muestra dos tamaños de ondulaciones, desde el rover Curiosity de la NASA. Las dunas de arena y el tipo más pequeño de ondulaciones también existen en la Tierra.

Para explorar estas impresionantes imágenes y obtener más información sobre las misiones en Marte, puedes visitar los siguientes recursos oficiales de la NASA:

Panorama de 1.800 millones de píxeles del rover Curiosity.

Imágenes de la duna “High Dune” capturadas por el rover Curiosity.

Galería de imágenes de Marte en el NASA Photojournal.

En el sitio web del NASA Photojournal, los usuarios pueden acceder a las imágenes más recientes capturadas por el rover Perseverance a través de su cámara Mastcam-Z, así como a las impresionantes tomas orbitales proporcionadas por la cámara HiRISE del orbitador Mars Reconnaissance Orbiter (MRO). Este recurso ofrece una colección constantemente actualizada de fotografías de Marte, permitiendo explorar tanto vistas detalladas del terreno desde la superficie como amplias panorámicas desde la órbita.

Estratos sedimentarios en la superficie de Marte revelan un antiguo entorno acuoso. La imagen fue capturada por Curiosity, mostrando capas inclinadas formadas por procesos geológicos complejos.

Las imágenes tienen diferentes dimensiones y la mayor parte incluye versiones de alta resolución. Están a disposición del público y compartidas por la NASA en su sitio web, incluido un mosaico de 1.800 millones de píxeles de la superficie marciana.

A pesar de que muchas de estas imágenes ya eran conocidas por el público especializado, las versiones en ultra alta definición recientemente procesadas representan una auténtica joya visual y científica. Gracias a los avances en tecnología de imagen y procesamiento digital, estas capturas permiten redescubrir Marte desde una perspectiva única.

Accede a las versiones en alta definición.

Precursor de lo que el fotógrafo Cornell Capa -el hermano de Robert- bautizó como concerned photography, por ese afán humanitario que buscaba influir en el mundo a través de lo retratado, el suizo Paul Senn (1901-1953) dejó cientos de miles de negativos y 1.500 reportajes publicados en decenas de revistas, pero fue la Guerra Civil española la que provocó un vuelco en su mirada. Esta figura angular del fotoperiodismo europeo del siglo XX consideraba España como su segunda patria, tras sus viajes entre 1933 y 1939 por Andalucía, Valencia, Madrid y Barcelona, y fue en ella donde registró su trabajo más impactante: la Retirada. Fue testigo de la huida por los Pirineos de cerca de 500.000 personas a través del puesto fronterizo de Le Perthus, durante los inicios de 1939, ante el avance de las tropas franquistas.

Pese a ello, la exposición que, hasta el 21 de diciembre, acoge el Ateneo de Madrid es la primera en España del bautizado como el Capa suizo. El centenar de imágenes sobre la Guerra Civil y el exilio republicano, en un proyecto comisariado por Michel Lefebvre y Markus Schürpf, descubren este valioso legado visual de Paul Senn, pues no sólo se limitó a ser un mero documentalista de rigor, sino que conforman una crónica sensible y directa en blanco y negro que invita a la reflexión.

Hombres, mujeres, ancianos y niños, cubiertos por mantas y con sus maletas a cuestas, atravesaron pasos nevados, en su mayoría a pie y entre un caos considerable, en una de las primeras crisis de refugiados fijadas en la historia contemporánea.

Junto a esta áspera serie que procede del Fondo Paul Senn, propiedad de la Fundación Gottfried Keller y depositado en el Museo de Bellas Artes de Berna, la muestra incluye las instantáneas que recogió de su visita a los campos de Rivesaltes y Le Récébédou del sur de Francia, en 1942, mientras seguía el trabajo de la Ayuda Suiza. Ya en 1937, había documentado para Zürcher Illustrierte los convoyes humanitarios de ese Comité Suizo de Ayuda a los niños de España entre Valencia y Madrid, pues la población suiza donó unas 800 toneladas de artículos de socorro, además de sumar combatientes a las Brigadas Internacionales.

La liberación del campo de concentración de Dachau el 29 de abril de 1945 fue un momento crucial en la historia de la Segunda Guerra Mundial y un recordatorio del horror del Holocausto. Dachau fue uno de los primeros campos de concentración establecidos por los nazis en 1933, y se convirtió en un modelo para otros campos. Durante la guerra, miles de prisioneros fueron sometidos a condiciones inhumanas, trabajos forzados, torturas y asesinatos en masa. Las tropas estadounidenses de la 7ª División Blindada del 7º Ejército llegaron al campo el 29 de abril de 1945.

Encontraron más de 30.000 prisioneros, muchos de ellos en condiciones críticas de salud y desnutrición. Los soldados también descubrieron vagones de tren con cientos de prisioneros muertos, lo que evidenciaba la brutalidad y la negligencia de los guardias del campo. La liberación de Dachau fue un momento clave en la comprensión del alcance de los crímenes nazis y contribuyó a la persecución de los responsables después de la guerra. Los testimonios de los supervivientes y las imágenes del campo liberado se convirtieron en símbolos del Holocausto y de la importancia de recordar y prevenir futuras atrocidades.

En una cueva de Siegen, Alemania (1945), se ve a Ivan Babcock, miembro de la 165 Compañía de Fotografía de Señales del Ejército de los EE.UU., posando con la corona del Sacro Imperio Romano Germánico. La cueva fue utilizada por los alemanes como almacen de obras de arte.

La fotografía recoge una escena costumbrista típica de las fiestas: la venta de pavos para la cena de Nochebuena. Durante décadas, la Plaza de Santa Cruz (muy cercana a la Plaza Mayor de Madrid) fue punto de encuentro para este comercio navideño, que se mantuvo en la calle hasta la llegada de los años sesenta. Alfonso Sánchez Portela, documentó con su cámara la vida cotidiana y las tradiciones populares del primer tercio del siglo XX, dejando un valioso testimonio visual de su tiempo. Hijo del también fotógrafo Alfonso Sánchez García, al terminar la guerra civil española se le retiró el carné de periodista, que no se le devolvió hasta 1952, aunque nunca volvió a ejercer. En agosto de 1939 la familia Sánchez abrió un nuevo estudio fotográfico en la Gran Vía, ya que el antiguo había sido destruido por un obús. Llegando a constituir el estudio un auténtico museo gráfico de la historia española, en 1992 el Ministerio de Cultura adquirió el archivo del «estudio fotográfico Alfonso» que consta de más de cien mil negativos, que incluyen trabajos de otros empleados del estudio. Además colaboró en la película El Sur de Víctor Erice y en un documental titulado Alfonso, el fotógrafo realizado por Enrique Viciano. En 1984, Enrique Tierno Galván le impuso la medalla de oro de la villa de Madrid, y 1989 fue nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, como el primer fotógrafo admitido en ella.

La Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFPE) celebró este jueves en el Disseny Hub de Barcelona la gala de entrega de los Premios LUX 2025, considerados como unos de los máximos galardones de la fotografía profesional en España. En esta 33ª edición de los premios, organizados por la AFPE para dar visibilidad y prestigio al sector fotográfico, el jurado destacó la importancia de la mirada humana entre las obras premiadas, entre las que destaca la obra de un compostelano.

El protagonismo de la jornada fue para el compostelano Roberto Ouro Tubio. Tras recibir el LUX de Bronce en la categoría de Paisaje y Naturaleza en la pasada edición, el fototógrafo santiagués ha dado un paso más este año y ha logrado el LUX de Oro en esa misma disciplina por la obra 'Los gigantes del mar'.

Esta fotografía fue tomada la noche del 22 de julio de 1934 en Chicago, frente al Biograph Theater, y muestra los instantes posteriores a la muerte de John Dillinger, el hombre más buscado de Estados Unidos en su tiempo. Esa noche Dillinger había acudido al cine acompañado de dos mujeres para ver la película Manhattan Melodrama, sin saber que había sido traicionado. La mujer que lo delató fue Anna Sage, conocida después como la dama de rojo, quien informó al FBI de su ubicación a cambio de una recompensa y la promesa de no ser deportada. Cuando Dillinger salió del cine, los agentes lo rodearon en silencio. Al percatarse del peligro, intentó huir por un callejón oscuro, pero fue alcanzado por varios disparos por la espalda. Uno de los proyectiles le atravesó el cuello y salió por debajo del ojo derecho, causándole la muerte casi instantánea. El cuerpo que aparece tendido en el suelo es el suyo, rodeado por policías, agentes federales y una multitud de curiosos que llegó en cuestión de minutos. En plena Gran Depresión, Dillinger no era solo un criminal: para muchos era un símbolo de rebeldía contra los bancos, el sistema y las autoridades. Había protagonizado asaltos espectaculares, fugas imposibles y persecuciones legendarias, incluida su famosa escapatoria de una cárcel usando una pistola de madera.

Para otros, en cambio, era un asesino peligroso responsable de varias muertes. Su caída marcó un antes y un después en la lucha contra el crimen organizado en Estados Unidos. La muerte de Dillinger fue utilizada como un triunfo propagandístico por el FBI y por su director, J. Edgar Hoover, quien necesitaba demostrar el poder de la recién creada agencia federal. Desde ese día, el FBI pasó de ser un organismo con poca autoridad a convertirse en una fuerza nacional temida y respetada. La imagen también refleja el contraste de la época: un país golpeado por la pobreza, fascinado por los forajidos, pero desesperado por restaurar el orden. Esta escena quedó inmortalizada como el final de la era romántica de los grandes gánsteres de los años 30 y como una de las fotografías criminales más famosas del siglo XX.

Antes de la guerra, Elisabeth Volkenrath era una mujer común. Trabajaba como peluquera en Alemania y llevaba una vida sencilla, sin señales de lo que estaba por venir. Pero cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, decidió unirse al sistema nazi. En 1941 ingresó como guardiana en los campos de concentración. Allí, su humanidad comenzó a desaparecer. Ascendió rápidamente. Primero en Ravensbrück, luego en Auschwitz y finalmente en Bergen-Belsen, donde se convirtió en supervisora principal. Su reputación era temida: no gritaba, no mostraba ira; su crueldad era metódica, calculada y silenciosa. Los prisioneros decían que su calma era lo más aterrador: uno nunca sabía cuándo actuaría. En Auschwitz participó en las selecciones para las cámaras de gas, eligiendo con un solo gesto quién viviría y quién moriría. En Bergen-Belsen, mantuvo su papel incluso cuando el caos se apoderó del campo en los últimos días del régimen nazi. Cuando las tropas británicas liberaron el campo en abril de 1945, la encontraron aún dando órdenes.

Fue arrestada y llevada a juicio junto con otros guardias del campo. Los testimonios de los sobrevivientes no dejaron dudas: había sido cómplice directa del exterminio. El 13 de diciembre de 1945, fue ahorcada en la prisión de Hamelin, sin mostrar arrepentimiento alguno. Ni lágrimas, ni disculpas. Solo el silencio helado de quien confundió la obediencia ciega con el poder.

Hace algunos años, CNN presentó una impactante fotografía capturada por el fotógrafo Anil Prabhakar en un bosque de Indonesia. La imagen retrata a un orangután, una especie actualmente en peligro de extinción, extendiendo su mano en un gesto de ayuda hacia un geólogo que había caído en una piscina de barro durante su exploración. El director ejecutivo de BOSF, Jamartin Sihite, señaló en un comunicado que, aunque no está claro si el simio esté ofreciendo ayuda o pidiendo alimento, la fotografía hace plantearse la manera en la que tratamos a los animales salvajes, entre ellos los que, como el orangután de Borneo, están en peligro de extinción. Al compartir la fotografía, el fotógrafo incluyó el siguiente pie de foto: "En una época en la que el concepto de humanidad parece desvanecerse, son los animales quienes nos reconducen a los principios fundamentales de la humanidad".

Pásate por Planeta Tierra >> Grandes simios.

Imagina estar en las animadas calles de Nueva York en el año 1900 —el clip-clop de los carruajes tirados por caballos resonando entre altos edificios de ladrillo, el clangor de los tranvías sobre sus rieles, la prisa de personas corriendo hacia el trabajo o hacia sus hogares. Pero bajo todo ese ruido y movimiento, existía un mundo secreto escondido bajo tus pies —una vasta red de tubos de metal que pulsaba silenciosamente bajo la ciudad, como venas que transportan la savia misma de la comunicación. Se llamaba el Sistema de Correo Neumático, y en su tiempo, era nada menos que magia. Inaugurado en 1897, esta maravilla subterránea se extendía casi 50 kilómetros (30 millas) bajo Manhattan, conectando 23 oficinas de correos a través de un laberinto de tubos presurizados. Las cartas se sellaban dentro de cilindros de metal forrados de fieltro, diseñados cuidadosamente para protegerlas de rasgaduras o dobleces, y luego se insertaban en la boca de un tubo. Y entonces —¡whoosh!— el cilindro se disparaba hacia adelante, impulsado por potentes compresores de aire que lo empujaban o tiraban a través de los túneles a velocidades de hasta 50 km/h (30 mph).

En solo siete minutos, una carta podía viajar desde el centro de Manhattan hasta una oficina de correos lejana —un trayecto que a un cartero le habría tomado más de media hora por la superficie. Cuando el cilindro llegaba a su destino, no chocaba contra la pared como uno podría imaginar. En su lugar, desaceleraba con gracia, amortiguado por frenos de aire y parachoques de goma, antes de ser retirado con cuidado. Los trabajadores lo abrían como un cofre del tesoro, sacando las preciadas cartas que contenía —susurros de un rincón de la ciudad a otro. Durante décadas, esta red zumbó silenciosamente bajo Nueva York, un mensajero invisible de una era anterior a la electrónica, un sistema tan avanzado que parecía casi vivo. Para los años 50, finalmente se silenció, reemplazado por camiones y sistemas postales modernos. Pero durante un tiempo, fue una verdadera maravilla —el Internet invisible de la ciudad, impulsado no por electricidad ni código, sino por el simple aliento del aire que corría por el corazón de Manhattan.

Close-up Photographer of the Year celebra el arte de la fotografía de primeros planos, macro y micro a través de una competencia global anual, desafíos temáticos, un boletín y un libro.

La conmemoración del centenario de Mariana Yampolsky se convierte en un acontecimiento cultural de primer orden en Buenos Aires, donde la exposición Mariana Yampolsky: la mirada contra el olvido. Fotografías (1925-2002) invita a redescubrir la potencia de una obra que desafía el olvido y reivindica la memoria visual de las comunidades rurales mexicanas. El Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco es escenario de esta muestra, organizada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, la Embajada de México en Argentina y la Secretaría de Cultura mexicana. La exposición reúne una selección de imágenes emblemáticas de la artista, reconocida internacionalmente por su capacidad para retratar la vida cotidiana de los pueblos originarios de México. Según la información difundida por los organizadores, “Mariana Yampolsky: la mirada contra el olvido” podrá visitarse hasta el 15 de marzo de 2026.

Nacida en Chicago y naturalizada mexicana, Yampolsky forjó una trayectoria singular en la que la fotografía se transformó en un medio para comprender y visibilizar la realidad de las comunidades rurales.

«Se nos ha ido cuando más falta nos hacia una rara combinación de talento, humor, visión y generosidad». Nadie mejor que Cristina de Middel, presidenta de Magnum hasta hace unos meses y gran amiga de Martin Parr, para dar con las mejores palabras con las que despedir al genial fotógrafo británico, que falleció el pasado día 6 de diciembre. Su particular manera de retrata la sociedad y fenómenos como el turismo de masas sentó en cierto modo las bases de eso que hoy se conoce como nuevo documentalismo. Un soplo de aire fresco que, aunque no gustó a todo el mundo, acabó presidiendo y cambiando para siempre nada menos que la agencia Magnum. Nadie fotografiaba la playa como él. Ni la sociedad inglesa y su terrible comida. Humor británico en formato fotográfico al que él mismo se exponía sin problemas y cuyas instantáneas forman ya parte del imaginario colectivo del siglo XX. Es sencillamente imposible ver la Torre de Pisa o las playas de Benidorm sin pensar en él.

The Last Resort es seguramente el libro que marcó un antes y un después en la carrera de Martin Parr y en la fotografía documental británica. Publicado en los 80, muestra la vida en New Brighton tal cual era: familias en la playa, diversión, desorden, decadencia… Todo mezclado con ese color saturado y esa ironía que terminaron siendo su firma. Son 78 páginas que ya apuntaban hacia el Parr que todos conocemos: crítico, divertido, incómodo a veces, pero siempre honesto. En su momento generó polémica, pero hoy es un libro clave para entender por qué su mirada cambió la forma de contar la vida de la clase trabajadora. Es un homenaje perfecto para recordar por qué se volvió una figura tan importante en la fotografía contemporánea.

No fue un fotolibro más, sino el punto de inflexión que redefinió la fotografía documental británica. Hasta entonces, la tradición imperante se basaba en el blanco y negro y en una mirada humanista clásica. Parr, inspirado por los coloristas estadounidenses como Joel Meyerowitz y Stephen Shore, así como por las postales comerciales sobresaturadas de John Hinde —que descubrió trabajando en los campamentos de verano Butlin’s—, decidió aplicar esa estética chillona a la realidad británica. Durante tres veranos, documentó a las familias de clase trabajadora en el decadente balneario de New Brighton, cerca de Liverpool. El uso del flash a plena luz del día y la película de color de alta saturación dieron como resultado imágenes donde convivían niños llorando, envoltorios de comida rápida, hormigón y pieles quemadas por el sol. Aquellas instantáneas generaron una fuerte controversia. Se le acusó de retratar a las clases desfavorecidas con crueldad desde una posición de privilegio. Sin embargo, Mark Sealy, director de Autograph, ha defendido la honestidad de esa mirada: «Algunas personas leen la obra como cruel, pero ves las imperfecciones cuando estás cerca de las cosas. No se trataba de ridiculizar, había una distancia íntima. Trataba a las personas a través de su lente con un sentido de igualdad». Con ‘The Last Resort’, Parr validó su mantra personal: «Hago fotografías serias disfrazadas de entretenimiento».

Nacido en Surrey en 1952, Parr comenzó su andadura inspirado por su abuelo, disparando en blanco y negro en comunidades rurales y religiosas, etapa recogida en trabajos como ‘Bad Weather’ (1982). Tras su giro al color, no se limitó a la clase trabajadora. En ‘The Cost of Living’ (1989), giró la cámara hacia su propia clase social, la clase media, documentando las fiestas en jardines y el consumismo durante la era Thatcher. Posteriormente, su crítica se globalizó con series sobre el turismo de masas (‘Small World’) y el consumo global (‘Common Sense’). Su estilo, descrito por Henri Cartier-Bresson como «de otro planeta», provocó tensiones en su ingreso en la agencia Magnum Photos en 1994. Pese a la oposición de miembros históricos como Philip Jones Griffiths, Parr fue admitido por un solo voto de diferencia, liderando años después la modernización de la agencia, la cual presidió entre 2014 y 2017. El fotógrafo mantenía una estrecha relación con España. En 2023 presentó ‘MálagaEXPRESS’, una muestra con más de cien imágenes donde exploraba con su habitual ironía los comportamientos del ocio y el turismo en la ciudad andaluza.

Early Works es una especie de ventana al “Parr antes de ser Parr”, cuando todavía fotografiaba en blanco y negro y estaba encontrando su estilo. Son más de 200 páginas con imágenes de los 70 y principios de los 80, donde ya asoman su ironía, su ojo para los detalles y su interés por la vida cotidiana británica. Viéndolo hoy, se siente casi como una arqueología de su mirada: el origen de todo lo que vendría después. Es un libro perfecto si quieres entender cómo empezó su camino y por qué su forma de mirar acabó marcando a generaciones.

Life’s a Beach demuestra por qué nadie ha fotografiado las playas como Parr. El libro reúne escenas de veraneantes por todo el mundo: turistas despistados, familias con neveras llenas de arena, helados derretidos, cuerpos reales y situaciones tan absurdas como humanas. Son 128 páginas muy fáciles de ver y llenas de momentos que solo él sabía encontrar. Hoy, con su fallecimiento, se siente aún más especial: un recordatorio alegre, cálido y humorístico de su manera única de mirar el verano y la vida.

Más allá de su obra, Parr fue un voraz coleccionista y promotor del fotolibro. El autor Johny Pitts ha señalado que «nadie contribuyó más al auge del fotolibro como medio popular en los últimos 20 años que él». En 2014 fundó la Martin Parr Foundation en Bristol, un espacio dedicado a preservar su archivo y difundir la fotografía británica e irlandesa. El artista, que sostenía que «todos los fotoperiodistas son de izquierdas» porque es imprescindible que «te importe la gente», deja tras de sí una obra que enseñó a varias generaciones a mirar lo cotidiano, lo aburrido y lo absurdo con nuevos ojos.

Real Food es Parr siendo Parr sin filtros: comida de todo tipo convertida en un espejo de nuestras obsesiones. Más de 200 páginas con primeros planos exagerados, colores intensos y escenas que te hacen reír y reflexionar a la vez. No es un libro de gastronomía, sino de cómo comemos, qué mostramos y qué escondemos.

Es divertido, visualmente potente y muy representativo de cómo convirtió lo cotidiano en comentario social. Ideal si te encanta su humor y su forma de retratar lo mundano. El antídoto para ese Instagram repleto de comida bonita pero que tiene poco que contar.

Think of Scotland es un viaje por la cultura escocesa visto con el ojo juguetón de Parr: retratos, fiestas locales, paisajes turísticos y escenas que desmontan clichés a base de color y humor. Tiene 128 páginas muy dinámicas y llenas de energía. Es un libro que enseña cómo observaba la cultura sin juzgar, con curiosidad y con ganas de pasarlo bien visualmente. Un título muy accesible y muy Parr, ideal para entender su lado más festivo y cercano.

Luxury recoge cinco años de Parr fotografiando el mundo del lujo: fiestas exclusivas, eventos llenos de champán, moda, poses y exceso por todas partes. Son unas 112 páginas en tapa dura donde el glamour termina pareciendo casi una caricatura. Parr muestra ese universo sin suavizarlo, con su humor directo y su mirada crítica. Hoy, visto desde la distancia, funciona casi como un retrato del exceso y de cómo le gustaba exponer lo absurdo del comportamiento humano. Muy recomendable si te interesa su faceta más satírica.

Colouring book es, literalmente, la forma más divertida de entrar en su universo: dibujos basados en sus fotos para que los colorees como quieras. Puede parecer simple, pero refleja mucho de su espíritu: humor, juego, libertad y cero solemnidad. Es una manera distinta de acercarse a su obra, ideal para estudiantes, curiosos o cualquiera que quiera explorar su mundo desde otro ángulo. Y ahora, tras su fallecimiento, tiene un toque aún más bonito: como si nos invitara a seguir disfrutando y experimentando.

Ver a Parr en acción, cámara en ristre y en ocasiones con un andador, es un autentico lujo, a veces divertido, siempre interesante. Este recomendable documental repasa su trayectoria e intenta asomarse a esa mirada traviesa, divertida e irónica de la que tanto se ha hablado. Se puede ver en Filmin y Movistar+.

El primer aspecto a tener en cuenta es que no debemos hablar solo de las “primeras fotógrafas”, sino en realidad de "las primeras fotógrafas documentadas” como explica Stéphany Onfray, autora del libro ‘Retratadas: Fotografía, género y modernidad en el siglo XIX español’, editado por Cátedra: “A la hora de estudiar a las fotógrafas en el s. XIX, muchas veces tendemos a escoger a una fotógrafa por campo” pero explica que a medida que investigan, cada vez se encuentra a más mujeres. Por eso la comisaria de la exposición ‘Retratadas. Estudios de Mujeres’ (Museo del Romanticismo hasta el 25 de enero de 2026) dice que destacar solo a una fotógrafa en concreto “puede esconder a muchas otras fotógrafas que quizás aún no tengamos documentadas”.

Otra idea fundamental es que “eran mujeres avanzadas”, explica Carmen Dalmau, autora del libro ‘Las mujeres disparan’, editado por JdeJ Editores. “En cuanto a que descubrieron que este nuevo invento les permitía no solo tener un cuarto propio, sino tener el dinero para mantener ese cuarto propio, como dice Virginia Woolf”, cuenta la historiadora del arte, comisaria y crítica de fotografía. Y continúa: “Este nuevo invento les permite tener una profesión que no está regulada por ninguna norma académica ni por ningún gremio”. Explica que “aprenden la fotografía de forma artesanal, de mano de sus padres o de sus hermanos, o buscan la formación con alguien que hace fotografía”. Y esto es realmente clave. “Las mujeres tienen acceso a la fotografía de una manera más fácil que, por ejemplo, a la práctica pictórica”, comenta la comisaria de ‘Retratadas’, “porque al fin y al cabo, la fotografía no se toma en serio”, explica Onfray. Esa es “la puerta de atrás” para que entren las mujeres, añade: “Al no ser considerado como un arte, no entra dentro de todo este sistema académico que al final es muy masculino”.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha presentado este miércoles una nueva exposición dedicada a Oriol Maspons, uno de los nombres centrales de la fotografía española del siglo XX. La muestra, integrada en la serie Maestros de la fotografía en la Academia –de la que constituye su décima entrega–, ofrece hasta el 12 de abril de 2026 doce obras del fotógrafo barcelonés pertenecientes a los fondos de la institución, adquiridos gracias a la herencia de Fernando Guitarte –benefactor de la institución que donó su fortuna íntegra a la Academia tras su muerte en 1978–, acompañadas por un notable conjunto de material bibliográfico y hemerográfico.

Oriol Maspons (Barcelona, 1928–2013) fue uno de los miembros más activos e influyentes de la llamada Escuela de Barcelona. Ingresó en 1951 en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y, dos años después, inició una amistad decisiva con Francesc Català-Roca. Entre el salonismo dominante en la Agrupación y el talento directo de Català, la elección fue clara. En 1953, enviado a París por una compañía de seguros, entró en contacto con los grandes nombres de la fotografía europea —Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson, Brassaï, Guy Bourdin— y con el influyente grupo Les 30 x 40.

Cuando regresó a Barcelona en 1956, Maspons tenía ya definido su rumbo: no sería un aficionado ilustrado, sino un profesional capaz de moverse con naturalidad entre el reportaje, el retrato, la moda y la publicidad. Durante casi medio siglo trabajó de forma ininterrumpida para la prensa, las editoriales, el cine y las nuevas agencias publicitarias, construyendo una obra extensa que comenzó a recibir reconocimiento público a partir de los años setenta. Su presencia fue constante en exposiciones, antologías y encuentros fotográficos en España, Europa y América, y su ciudad le reconoció en numerosas ocasiones.

Uno de los ejes de la exposición es el contexto editorial y mediático en el que Maspons desarrolló buena parte de su trabajo. Procedente de la colección Pedro Melero / Marisa Llorente, el material expuesto –cubiertas de libros, revistas y discos– da cuenta de la intensa circulación pública de sus imágenes y de su papel decisivo en la configuración del imaginario visual de varias décadas. En la exposición de la Academia se exhiben algunos de sus fotolibros más significativos –de Caminando por las Hurdes (1962) a L’instant perdut (1995) o Personajes de compañía– junto a volúmenes hoy icónicos ilustrados por él, como Tiempo de silencio de Luis Martín-Santos o Últimas tardes con Teresa de Juan Marsé, para la editorial Seix Barral. El conjunto se completa con revistas especializadas, como Afal, y con otros soportes menos habituales, entre ellos cubiertas de discos y publicaciones musicales, que dan cuenta de una obra no especialmente extensa en títulos propios, pero sí ampliamente difundida y decisiva en la configuración visual de la cultura editorial española de su tiempo.

La sala de fotografía del Museo de la Academia, aún de dimensiones contenidas, se ha consolidado como un espacio estable dentro de la institución, con la voluntad expresa de ampliarse en el futuro. Iniciado con los fondos de Alberto Schommer, el conjunto de fotografía moderna ha ido creciendo hasta conformar una colección excepcional, presentada de manera monográfica por autores y centrada en hitos clave de la historia fotográfica española.

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