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A través de sencillas fichas, el diseñador gráfico y profesor de diseño japonés Haruyoshi Nagumo proporciona todo lo necesario para comprender cada color (características, historia, significados y usos), entender cómo se comporta con otros colores, y aprender a crear esquemas cromáticos que provoquen los efectos y sensaciones que buscamos en cada uno de nuestros proyectos. Se trata, por tanto, de una guía perfecta para toda persona dentro del mundo del arte, incluido fotografía y vídeo. Con un lenguaje sencillo y una cantidad ingente de esquemas sobre colores, este libro es una referencia que merece la pena tener siempre a mano.

Este magnifico libro fotográfico se basa en la extensa revisión del archivo fotográfico de la agencia Magnum -galardonada recientemente con el Premio Princesa de Asturias de la Concordia- sobre fotografía de calle. Un compendio con innumerables imágenes de fotografía callejera de ilustres miembros de esta mítica agencia. Algunas de las fotos seleccionadas fueron encargos, otras son parte de trabajos personales de los autores, pero lo cierto es que todas y cada una de ellas son instantáneas icónicas. El libro está dividido en capítulos con algunas de las ciudades más fotogénicas del mundo, como Nueva York, Londres, Paris o Tokio… Todo ello de la mano de increibles fotógrafos como Abbas, Martin Parr, Alessandra Sanguinetti, Bruce Gilden, Inge Morath, Alec Soth, Sergio Larrain, Susan Meiselas, Peter Marlow, y muchos más. Con casi 400 páginas a todo color y tapa dura, nos encontramos ante uno de los monógraficos de fotografía de calle del año. Volumen que podemos añadir al ya editado Magnum Streetwise de también excelente calidad.

Este maravilloso catálogo reúne una parte importantísima de la obra del fotógrafo estadounidense. Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotógrafo para el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París en 1947. A lo largo de su vida, alternó la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en París desde 1990 hasta su muerte, en 2016. A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografía callejera estadounidense y de la fotografía humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendió con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En París, el joven fotógrafo conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor y le introdujo en la comunidad fotográfica parisina. Stettner fusionó la vertiente lírica francesa con la tradición neoyorquina de fotografía socialmente comprometida para crear su propia versión del humanismo. Un libro maravilloso, de tamaño considerable y más de 300 páginas, con una edición, encuadernación e impresión exquisita.

La fotografía gastronómica vive una época de recientes cambios, tanto en la parte técnica, comercial, como estética y cultural. Tras su primer libro sobre Fotografía de producto y publicitaria, Pablo Gil nos trae un nuevo trabajo para ayudarnos a entender esta especialidad fotográfica en la que él también trabaja. En este nuevo libro vas a poder aprender técnicas fotográficas, iluminación, composición, retoque, e incluso aspectos comerciales sobre esta disciplina. Todo ello con excelentes esquemas, imágenes y fotografías para una mejor compresión y aprendizaje. Además, la actualidad manda, y el autor no deja de lado temas como la creciente incursión de la Inteligencia Artificial o la unión de la gastronomía con las redes sociales. Un excelente manual de 300 páginas para principiantes o expertos, amateurs o profesionales.

Este fotolibro recoge las imágenes de Jean Marie del Moral durante los meses próximos a esa revolución. El fotógrafo recorrió las calles de Lisboa y de la zona del Alentejo, mostrando la realidad del país tras aquel cambio histórico. Un libro de casi 100 páginas con tapa dura y con más de 90 preciosas fotografías, dividas entre espacios rurales, urbanos y políticos de este fotógrafo franco-español, hijo de exiliados de la Guerra Civil española.

Y sin ganas de meternos en un fregao, recomendamos una visita a ...

El catálogo que acompaña a la muestra dedicada a la obra de Bruce Davidson ofrece textos de la comisaria independiente y experta en fotografía Charlotte Cotton, Frits Gierstberg, conservador del Nederlands Fotomuseum, Francesco Zanot, conservador de CAMERA en Turín, Teresa Kroemer y el comisario Carlos Gollonet, conservador de Fotografía de la Fundación MAPFRE.

Fred Herzog es conocido por su inusual uso del color en las décadas de 1950 y 1960, una época en la que la fotografía artística se asociaba casi exclusivamente con imágenes en blanco y negro. El fotógrafo canadiense trabajó casi exclusivamente con diapositivas Kodachrome durante más de 50 años, y solo en la última década la tecnología le ha permitido realizar impresiones pigmentadas de archivo que igualan el excepcional color e intensidad de la diapositiva Kodachrome. En este sentido, sus fotografías pueden considerarse una prefiguración de los fotógrafos del Nuevo Color de los años setenta. Este libro reunirá más de 230 imágenes, muchas inéditas, e incluirá ensayos de los aclamados autores David Campany y Hans-Michael Koetzle. Fred Herzog será la publicación más completa sobre este importante fotógrafo hasta la fecha.

Este es un volumen de tapa dura con sobrecubierta blanca y sobrecubierta ilustrada. Stephen Shore, tras su primer volumen de fotografías, American Surfaces, para el cual viajó por Estados Unidos, realizó una exploración aún más extensa y profunda del estilo de vida norteamericano en "Uncommon Places". Shore viajó mucho más entre 1973 y 1979, período del cual se extrajeron estas imágenes. La otra diferencia principal es que, para entonces, Shore se había adentrado en la fotografía de gran formato, transportando una cámara de 8x10 en sus viajes. Esta edición ampliada de 2004 incluye más de 60 imágenes inéditas y una entrevista con Shore realizada por Lynne Tillman.

La primera monografía definitiva de fotografías en color de la fotógrafa callejera estadounidense Vivian Maier. El atractivo de la fotógrafa Vivian Maier perdura a pesar de que muchos detalles de su vida siguen siendo un misterio. Su historia —la de la niñera fotógrafa reservada que se convirtió en una fotógrafa pionera— solo se ha reconstruido a partir de las miles de imágenes que tomó y los pocos datos que han salido a la luz sobre su vida. Vivian Maier: The Color Work es la colección publicada más grande y mejor seleccionada de fotografías a todo color de Maier hasta la fecha. Con prólogo del mundialmente reconocido fotógrafo Joel Meyerowitz y texto del curador Colin Westerbeck, este volumen definitivo arroja luz sobre la naturaleza de las imágenes en color de Maier, examinándolas en el contexto de su obra en blanco y negro, así como de las imágenes de fotógrafos callejeros con quienes mantuvo una clara afinidad, como Eugene Atget y Lee Friedlander. Con más de 150 fotografías en color, la mayoría inéditas, esta colección de imágenes profundiza nuestra comprensión de Maier, ya que su inmediatez demuestra su interés por registrar y presentar su interpretación del mundo que la rodeaba.

Cuando la revista Life le encargó a Gordon Parks que ilustrara una serie recurrente de artículos sobre la delincuencia en Estados Unidos en 1957, ya llevaba casi una década como fotógrafo de plantilla, siendo el primer afroamericano en ocupar este puesto. Parks emprendió un viaje de seis semanas que lo llevó, junto con un reportero, a recorrer las calles de Nueva York, Chicago, San Francisco y Los Ángeles. A diferencia de gran parte de su trabajo anterior, las imágenes fueron en color. El ensayo fotográfico resultante, de ocho páginas, "La atmósfera del crimen", destacó no solo por su audaz sofisticación estética, sino también por desafiar los estereotipos sobre la delincuencia, entonces omnipresentes en los medios de comunicación tradicionales. Ofrecieron una representación cinematográfica, rica en matices, de un mundo en gran parte oculto: el de la violencia, el trabajo policial y el encarcelamiento, visto con empatía y franqueza. Parks rechazó los clichés de la delincuencia, el consumo de drogas y la corrupción, optando por una visión más matizada que reflejaba los factores sociales y económicos vinculados a la conducta delictiva y una ventana excepcional a la vida laboral de quienes se encargaban de prevenirla y perseguirla. Trascendiendo el romanticismo de las películas de gánsteres, el suspense de las aventuras criminales y las representaciones racialmente sesgadas de la criminalidad, entonces prevalentes en la cultura popular estadounidense, Parks obligó a su cámara a hacer lo que mejor sabe hacer: registrar la realidad de forma tan vívida y convincente que permitiera a los lectores de Life apreciar la complejidad de estas situaciones crónicamente simplificadas. The Atmosphere of Crime, 1957, incluye una extensa selección de fotografías inéditas del reportaje original de Parks.

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El bicentenario de la fotografía (1824-2024) celebra los 200 años desde que Nicéphore Niépce logró las primeras imágenes fijas duraderas, marcando un hito revolucionario en la documentación mundial. Exposiciones exclusivas, como las organizadas por Spéos, reconocida internacionalmente y clasificada entre las 5 mejores escuelas de fotografía del mundo durante varios años por diferentes clasificaciones independientes y la Casa Nicéphore Niépce, conmemoran este origen, diferenciándose del Día Mundial de la Fotografía (19 de agosto) que celebra el daguerrotipo de 1839.

El origen del 200 Aniversario se centra en el año 1824, cuando Nicéphore Niépce comenzó sus primeros experimentos exitosos con la fijación de imágenes. Aunque el 19 de agosto se celebra el "Día Mundial de la Fotografía" (basado en la patente del daguerrotipo en 1839), el bicentenario de 2024-2026 rinde homenaje a los primeros pasos técnicos de la década de 1820. El desarrollo de la fotografía ha pasado de procesos largos y complejos a la inmediatez digital actual, influyendo en el cine, la ciencia y la memoria personal. Desde las primeras imágenes borrosas hasta la tecnología moderna de alta calidad, aquí van algunos ensayos.

Sobre la fotografía, publicado por primera vez en 1973, supuso un trabajo revolucionario en la crítica fotográfica. Con él, Susan Sontag planteó cuestiones ineludibles, en el plano moral y estético, acerca de esta forma artística. Hay fotografías en todas partes; tienen la potestad de impactar, idealizar o seducir, pueden provocar la nostalgia o pueden servir de recordatorio, y se erigen en prueba contra nosotros o en el medio para identificarnos. En estos seis penetrantes capítulos, Sontag se pregunta cómo afecta la omnipresencia de estas imágenes a nuestro modo de ver el mundo, y cómo hemos llegado a depender de ellas para confeccionar las nociones de realidad y autoridad.

La fotografía lleva años inmersa en una transformación que se ha visto acelerada por la IA. Pero más allá de revoluciones y tendencias, lo que sigue definiéndola es la mirada humana. ¿Es la fotografía analógica un capricho nostálgico? ¿Qué valores puede aportar al presente digital y algorítmico? ¿Podríamos acercarnos al formato digital con la intencionalidad y la paciencia que propiciaban el carrete y el revelado químico? Méndez reflexiona sobre el acto físico de fotografiar, la vocación y el freelancismo en este alegato sobre la intuición y el placer de crear frente a la sobreabundancia.

El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relación íntima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teórico del arte, Miguel Ángel Hernández lleva años aproximándose así a las imágenes para establecer con ellas un diálogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aquí reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografía y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vínculo con el conocimiento, el duelo, la ética de la mirada, las relaciones entre tecnología y deseo, o la percepción subjetiva del tiempo. A través de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentación literaria, el ejercicio de contemplar imágenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.

¿Cuál es la frontera donde la fotografía se vuelve un acto violento? ¿Qué implica utilizar la cámara en contra de la voluntad del retratado y diseminar su imagen sin su consentimiento? ¿Cómo se registra el instante de la degradación ajena, del cuerpo que todavía no es cadáver pero se abandona a la muerte? Estas interrogantes sobre la representación fotográfica entendida como acto social son minuciosamente exploradas a través de diversas geografías. Los ejes de este itinerario atraviesan la reacción del escritor estadounidense J.D. Salinger asediado por los paparazzi, el registro de linchamientos en el sur de Estados Unidos, la circulación de imágenes de los abusos más contundentes en Abu Ghraib, el último retrato de los prisioneros de la cárcel camboyana Tuol Sleng bajo el régimen del Jemer Rojo, el retiro del velo de mujeres argelinas durante la guerra de independencia, los selk'nam en Tierra del Fuego captados por la mirada antropológica y los cadáveres fotografiados alrededor del mundo.

En 1826 el francés Joseph Nicéphore Niépce inmortalizó con una cámara el paisaje rural que contemplaba desde su casa. No podía imaginar cómo esa toma —que se considera la primera fotografía de la historia—, titulada Punto de vista tomado desde la ventana de Le Gras, cambiaría no solo nuestra forma de representar la realidad sino de interpretarla. Y de interpretarnos. Mediante un enfoque riguroso, ameno y emotivo, que mezcla lecturas, recuerdos y viajes, Olivia Vicente analiza cómo se construyeron las narrativas visuales en torno al cuerpo y cómo estas han influido en la actualidad. Quiénes somos, cómo vemos a otras personas, qué entendemos por belleza o cómo asumimos la enfermedad y la muerte son algunos de los focos de interés en este apasionante recorrido por la historia de la fotografía. Desde Louis Daguerre, pasando por Richard Avedon o Joel-Peter Witkin, Anatomía de la imagen reivindica la figura de Julia Margaret Cameron, Claude Cahun, Susan Sontag, Annie Leibovitz, Zanele Muholi, Olatz Vázquez, nombres menos visibles o recordados en el arte, la teoría y la técnica fotográficos, pero de relevancia incuestionable.

Las fotógrafas estuvieron presentes en España desde los inicios del invento gracias a la oportunidad que permitía la nueva técnica. Las mujeres fotógrafas, de las que se ocupa este volumen que intenta continuar la senda de la visibilidad de todas ellas y un justo trato con sus compañeros, aspiran a representar a todas aquellas que por su trayectoria y méritos podrían incluirse si los límites de extensión en este ensayo lo hubieran permitido. La fotografía fue un arte joven y sería lógico pensar que ya desde el siglo XIX encontraríamos a las fotógrafas en paridad con los hombres. Y sin embargo, en el mundo de la fotografía se siguieron reproduciendo los patrones dominantes para contar el arte y concebir su grandeza o su perdurabilidad. A pesar de no disponer de una habitación propia, de la dificultad de acceso a estudios y enseñanzas, de firmar con seudónimos masculinos o con iniciales que ocultan sus nombres y del todavía presente techo de cristal, las mujeres han estado siempre creando activamente y oponiendo resistencia al ostracismo que las condena al silencio y al olvido. Es legítimo preguntarnos si existe una mirada femenina frente a la hegemonía masculina del mirar y si las mujeres artistas han desplegado formas de resistencia que permitan reflejar el mundo desde otro mirar.

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